A magia do teatro
O teatro é a expressão mais antiga do espirito lúdico da humanidade, é uma arte cênica especial, pois embora tome quase sempre como ponto de partida um texto literário, exige a transformação da literatura em espetáculo cênico.
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Existem várias teorias sobre a origem do teatro. Segundo Oscar G. Brockett, nenhuma delas pode ser comprovada, pois existem poucas evidencias e mais especulações. Antropólogos ao final do século XIX e no início do XX, elaboraram a hipótese de que este teria surgido a partir dos rituais primitivos (History of Theatre. Allyn e Bacon 1.995 pg. 1). Outra hipótese seria o surgimento a partir da contação de histórias, ou se desenvolvido a partir de danças, jogos, imitações.
Os rituais na história da humanidade começam por volta de 80.000 anos AC.
O primeiro evento com diálogos registrado foi uma apresentação anual de peças sagradas no Antigo Egito do mito de Osíris e Ísis, por volta de 2.500 AC (Staton e Banham 1.996 pg. 241), que conta a história da morte e ressurreição de Osíris e a coroação de Horus ( Brockett, pg. 9). A palavra 'teatro' e o conceito de teatro, como algo independente da religião, só surgiram na Grécia de Pisístrato (560-510a.C.), tirano ateniense que estabeleceu uma dinâmica de produção para a tragédia e que possibilitou o desenvolvimento das especificidades dessa modalidade.
As representações mais conhecidas e a primeira teorização sobre teatro vieram dos antigos gregos, sendo a primeira obra escrita de que se tem notícia, a Poética de Aristóteles.
Aristóteles afirma que a tragédia surgiu de improvisações feitas pelos chefes dos ditirambos, um hino cantado e dançado em honra a Dioniso, o deus grego da fertilidade e do vinho. O ditirambo, como descreve Brockett, provavelmente consistia de uma história improvisada cantada pelo líder do coro e um refrão tradicional, cantado pelo coro. Este foi transformado em uma "composição literária" por Arion (625-585AC), o primeiro a registrar por escrito ditirambos e dar a eles títulos.
As formas teatrais orientais foram registradas por volta do ano 1.000 AC, com o drama sânscrito do antigo teatro Indu. O que poderíamos considerar como 'teatro chinês' também data da mesma época, enquanto as formas teatrais japonesas Kabuki, Nô e Kyogen têm registros apenas no século XVII DC.
Gerald Else, importante helenista norte americano, considera que o teatro (drama) foi uma criação deliberada e não resultado de um processo evolutivo. Se os festivais gregos, antes de 534A.c eram desempenhados por rapsodos, na forma oral, em 534 A.C.
Téspis junta os elementos orais destas festividades com o coro, para criar uma forma primitiva de drama que seria desenvolvida totalmente somente a partir de Ésquilo, com a adição de um segundo ator (Brockett, p. 16).
O primeiro diretor de coro conhecido foi Tespis, convidado pelo tirano Pisístrato oficialmente para dirigir a procissão de Atenas. Téspis desenvolveu o uso de máscaras para representar pois, em razão do grande número de participantes, era impossível todos escutarem os relatos, porém podiam visualizar o sentimento da cena pelas máscaras. O "coro" era composto pelos narradores da história, rapsodos que através de representação, canções e danças, relatavam as histórias do personagem. Ele era o intermediário entre o ator e o espectador, e trazia os pensamentos e sentimentos à tona, além de trazer também a conclusão da peça.
Também podia haver o "Corifeu", que era um representante do coro que se comunicava com a plateia. Em uma dessas procissões, Téspis inova ao subir em um "tablado" (Thymele – altar), para responder ao coro, e assim, tornou-se o primeiro respondedor de coro (hypócrites). Surgindo assim os diálogos.
O teatro no Brasil surgiu no século XVI, tendo como motivo a propagação da fé religiosa. Dentre uns poucos autores, destacou-se o padre José de Anchieta, que escreveu alguns autos (antiga composição teatral) que visavam a catequização dos indígenas, bem como a integração entre portugueses, índios e espanhóis. Exemplo disso é o Auto de São Lourenço, escrito em tupi-guarani, português e espanhol.
Um hiato de dois séculos separa a atividade teatral jesuítica da continuidade e desenvolvimento do teatro no Brasil. Isso porque, durante os séculos XVII e XVIII, o país esteve envolvido com seu processo de colonização (enquanto colónia de Portugal) e em batalhas de defesa do território colonial. Foi a transferência da corte portuguesa para o Rio de Janeiro, em 1.808, que trouxe inegável progresso para o teatro, consolidado pela Independência, em 1.822.
O ator João Caetano estimulou a formação dos atores brasileiros e valorizou o seu trabalho e formou, em 1.833, uma companhia brasileira. Seu nome está vinculado a dois acontecimentos fundamentais da história da dramaturgia nacional: a estreia, em 13 de março de 1.838, da peça Antônio José ou O Poeta e a Inquisição, de autoria de
Gonçalves de Magalhães, a primeira tragédia escrita por um brasileiro e a única de assunto nacional; e, em 4 de outubro de 1.838, a estreia da peça O Juiz de Paz na Roça, de autoria de Martins Pena, chamado na época de o "Molière brasileiro", que abriu o filão da comédia de costumes, o gênero mais característico da tradição cênica brasileira.
Gonçalves de Magalhães, ao voltar da Europa em 1.867, introduziu no Brasil a influência romântica, que iria nortear escritores, poetas e dramaturgos. Gonçalves Dias (poeta romântico) é um dos mais representativos autores dessa época, e sua peça Leonor de Mendonça teve altos méritos, sendo até hoje representada. Alguns romancistas, como Machado de Assis, Joaquim Manuel de Macedo, José de Alencar, e poetas como Álvares de Azevedo e Castro Alves, também escreveram peças teatrais no século XIX.
Oswald de Andrade, nos anos 1.920
O século XX despontou com um sólido teatro de variedades, mescla do varieté francês e das revistas portuguesas. As companhias estrangeiras continuavam a vir ao Brasil, com suas encenações trágicas e suas óperas bem ao gosto refinado da burguesia. O teatro ainda não recebera as influências dos movimentos modernos que pululavam na Europa desde fins do século anterior.
Os ecos da modernidade chegaram ao teatro brasileiro na obra de Oswald de Andrade, produzida toda na década de 1.930, com destaque para O Rei da Vela, só encenada na década de 1960 por José Celso Martinez Corrêa. É a partir da encenação de Vestido de Noiva, de Nélson Rodrigues, que nasce o moderno teatro brasileiro, não somente do ponto-de-vista da dramaturgia, mas também da encenação, e em pleno Estado Novo.
Surgiram grupos e companhias estáveis de repertório. Os mais significativos, a partir da década de 1.940, foram: Os Comediantes, o TBC, o Teatro Oficina, o Teatro de Arena, o Teatro dos Sete, a Companhia Celi-Autran-Carrero, entre outros.
Quando tudo parecia ir bem com o teatro brasileiro, a ditadura militar veio impor a censura prévia a autores e encenadores, levando o teatro a um retrocesso produtivo, mas não criativo. Prova disso é que nunca houve tantos dramaturgos atuando simultaneamente.
Com o fim do regime militar, no início da década de 1.980, o teatro tentou recobrar seus rumos e estabelecer novas diretrizes. Surgiram grupos e movimentos de estímulo a uma nova dramaturgia.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Teatro
O teatro em terras brasileiras nasceu em meados do século XVI como instrumento de catequese dos Jesuítas vindos de Coimbra como missionários e índios. Era um teatro, portanto, com função religiosa e objetivos claros: evangelizar os índios e apaziguar os conflitos existentes entre eles e os colonos portugueses e espanhóis.
O primeiro grupo de Jesuítas a desembarcar na Bahia de Todos os Santos, em 1.549, era composto por quatro religiosos da comitiva de Tomé de Sousa, entre os quais o padre Manuel da Nóbrega.
O segundo grupo de missionários chegou à então Província do Brasil no dia 13 de julho de 1.553, como parte da comitiva de Duarte da Costa. No grupo de quatro religiosos estava o jovem José de Anchieta, então com dezenove anos de idade.
A população estimada de 57 mil habitantes era composta por colonos, muitos deles criminosos, e índios em sua maioria de vida nômade. Os jesuítas mantinham os indígenas em pequenas aldeias, isolados de dois terríveis perigos: a vida desregrada e a escravidão impostas pelo homem branco explorador e o conseqüente retorno ao paganismo.
A tradição teatral jesuítica encontrou no gosto dos índios pela dança e pelo canto um solo fértil e os religiosos passaram a se valer dos hábitos e costumes dos silvícolas - máscaras, arte plumária, instrumentos musicais primitivos - para as suas produções com finalidades catequéticas.
Tematicamente, essas produções mesclavam a realidade local (tanto de índios quanto dos colonos) com narrativas hagiográficas (vidas dos santos). Como toda espécie de dominação cultural prescinde um conhecimento da cultura do dominado, o Padre Anchieta seguiu o preceito da Companhia de Jesus que determinava ao jesuíta o aprendizado da língua onde mantivessem missões. Assim, foi incumbido de organizar uma gramática da língua tupi, o que fez com sucesso.
Neste período de comemorações de centenários de teatros, convém falar do primeiro teatro conhecido do Brasil. Era este o Teatro do Padre Ventura, conhecido por alguns outros nomes, entre os quais se destacava o nome de Casa da Ópera. É conveniente assinalar que o termo “ópera”, quando aplicado genericamente, durante muito tempo não significava no Brasil o que passaria a significar já avançado o século XIX. “Ópera” servia como resumo de toda atividade teatral, com ou sem música.
A Casa da Ópera do Padre Ventura abrigava acrobacias, mágicas, lanternas, danças, teatro de prosa, solos instrumentais, trechos de óperas propriamente ditas e muita coisa mais.
Ficava esse teatro no Rio de Janeiro, mais precisamente no Largo do Capim, junto à Rua do Fogo, onde hoje a Rua Uruguaiana quase se encontra com a Avenida Presidente Vargas, cuja construção foi a causa de demolições e total reurbanização do local. O teatro não deixou traços.
Suas atividades tiveram início antes de 1.747, o que é objeto de muita discussão. Seu fundador e proprietário era um dito sacerdote conhecido como Padre Ventura, tocador de “rabeca” (na época violino rudimentar, às vezes com menos cordas), tipo curioso, corcunda e sempre vestido de hábitos eclesiásticos. Foi essa personagem a primeira a montar um teatro em recinto fechado, com palco, lugares para o público e para os músicos. Segundo relatos de quem lá esteve, era um teatro simples mas de alguma beleza.
Narra Varnhagen, em sua preciosa História do Brasil, que o almirante francês Bougainville lá esteve e deixou relato escrito, no qual diz que lá um elenco “de mulatos”, em uma sala “muito bela”, executava e representava trechos dos mestres italianos, com uma orquestra dirigida por um “padre corcunda”.
Pouco se sabe a respeito do que se representava nesse teatro. Sabe-se de peças musicadas de Antonio José, o judeu, e de obras de Metastasio.
De curta mas profícua duração, o Teatro do Padre Ventura pegou fogo em 1.769 e tudo indica que, em 1.773, sob a vice-reinança do Marquês do Lavradio, tiveram início as atividades do Teatro de Manuel Luís, depois Teatro Régio, muito mais desenvolvido e bem aparelhado que o anterior, situado ao lado do Palácio dos Governadores, hoje impropriamente chamado de “Paço Imperial”, cujas atividades perduraram até 1.813, ano da inauguração do Teatro São João, depois com vários outros nomes até adotar o nome pelo qual foi mais conhecido: Teatro São Pedro, situado exatamente onde fica hoje o Teatro João Caetano, com as mesmas arcadas na fachada.
Escrito por Marcus Góes em 17 ago 2.011 nas áreas Artigo
Nesta cidade foi construído o primeiro teatro no Brasil, inaugurado em 1.770 e em funcionamento até hoje (dizem inclusive que há uma excelente acústica).
Na época, Ouro Preto se chamava Vila Rica e era a capital do país, que vivia a corrida a euforia da corrida ao ouro.
Neste teatro, pela primeira vez se apresentaram mulheres no palco, antes substituídas por homens que interpretavam personagens femininos.
Chama-se “Teatro Municipal Casa da Ópera da cidade de Ouro Preto” e é bem grande: são 400 lugares. Passou por uma vultosa restauração e reabriu em 2.007.
Ouro Preto é um cenário importante para as artes no Brasil, na cidade ocorrem festivais, mostras, exposições e festas folclóricas, além de museus e espaços culturais.
http://espacoluau.wordpress.com/2013/01/20/teatro-mais-antigo-do-brasil-esta-em-ouro-preto/
O Teatro Municipal do Rio de Janeiro localiza-se na Cinelândia (Praça Marechal Floriano), no centro da cidade do Rio de Janeiro (RJ), no Brasil.
Inaugurado em 1.909, como parte do conjunto arquitetônico das Obras de Reurbanização da Cidade do Rio de Janeiro (RJ), e abertura da Avenida Central, durante a prefeitura de Pereira Passos, exerce desde sua inauguração um importante papel para a cultura carioca e nacional, recebendo em seu palco importantes artistas, orquestras e companhias de Balet.
Apesar do nome, o teatro não pertence ao município, mas ao Estado do Rio de Janeiro.
É dirigido pela Fundação Teatro Municipal, que tem Carla Camurati como presidente. Em 4 de janeiro de 2.013, foi anunciada a troca na direção artística: o maestro Silvio Viegas deixa o cargo, que acumulava com a regência da Orquestra do Teatro Municipal (OTM), e assume o maestro Isaac Karabtchevsky.
A regência da OTM se mantém com o maestro Viegas.
A atividade teatral era, na segunda metade do século XIX, muito intensa na cidade do Rio de Janeiro. Ainda assim, a cidade não dispunha de uma sala de espetáculos que correspondesse plenamente a essa atividade e que estivesse à altura da então capital do país. Os seus dois teatros, o de São Pedro e o Lírico, eram criticados pelas suas instalações, quer pelo público, quer pelas companhias que neles atuavam.
Teatro Brasileiro de Comédia (TBC) foi um importante teatro, localizado na cidade de São Paulo, na rua menor Diogo. Foi fundado em 1.848, pelo industrial italiano Franco Zampari.
Depois de se tornar referência e ser um grande teatro brasileiro, passou por várias crises e ficou fechado em alguns períodos. Há alguns anos foi reformado e voltou a atuar, até ser fechado novamente.
Durante as várias fases por que passou e durante os anos em que existiu como companhia estável, de 1.948 a 1.964, o palco do TBC chegou a ter o melhor elenco do país, em que se distinguiam: Cacilda Becker, Tônia Carrero, Fernanda Montenegro, Dionisio Azevedo, Cleyde Yáconis, Nydia Lícia, Nathalia Timberg, Tereza Rachel, Paulo Autran, Sérgio Britto, Jardel Filho, Sérgio Cardoso, Walmor Chagas, Ítalo Rossi e muitos outros.
A encenação estava confiada a europeus e, em certos momentos, até quatro deles se alternavam nas montagens: Adolfo Celi, Luciano Salce, Ruggero Jacobbi, Ziembinski, Flaminio Bollini Cerri, Maurice Vaneau, Alberto D'Aversa e Gianni Ratto.
As premissas eram a implantação de um teatro de equipe, em que todos os papéis recebiam o mesmo tratamento, e se valorizavam igualmente a cenografia e a indumentária, a cargo de Aldo Calvo, Bassano Vaccarini, Tulio Costa, Gianni Ratto e Mauro Francini;
e a política do ecletismo de repertório, revezando-se no cartaz Sófocles, John Gay, Goldoni, Strindberg, Bernard Shaw, Pirandello, Tennessee Williams, Arthur Miller, Sauvajon, Sardou, Roussin, Barillet e Grédy, Jan de Hartog e André Mirabeau, entre muitos outros.
Um desdobramento do TBC foi a criação da Companhia Cinematográfica Vera Cruz, cujos galpões em São Bernardo do Campo abrigaram inúmeras produções nacionais, algumas premiadas internacionalmente.
O TBC consolidou a renovação estética do espetáculo brasileiro, iniciada pelo grupo amador carioca de Os Comediantes, e tornou-se a origem de outros conjuntos dele desdobrados, como a Companhia Nydia Lícia-Sérgio Cardoso, a Companhia Tônia-Celi-Autran, o Teatro Cacilda Becker e o Teatro dos Sete. Maria Della Costa, enquanto aguardava a construção de sua casa de espetáculos, passou por ele, e adotou no Teatro Popular de Arte os mesmos princípios.
Acusado de certo conservadorismo, tanto na encenação quanto na escolha de seus textos, além de certo privilégio a uma cultura oficial que mantinha laços com a burguesia dominante, o TBC entrou em sua última fase, alterando suas diretrizes. Passou a confiar as encenações aos brasileiros Flávio Rangel e Antunes Filho, além do belga Maurice Vaneau, e o repertório privilegiou os dramaturgos nacionais Dias Gomes, Jorge Andrade e Gianfrancesco Guarnieri, quando, antes, o autor da casa havia sido Abílio Pereira de Almeida.
O primeiro grupo de Jesuítas a desembarcar na Bahia de Todos os Santos, em 1.549, era composto por quatro religiosos da comitiva de Tomé de Sousa, entre os quais o padre Manuel da Nóbrega.
A população estimada de 57 mil habitantes era composta por colonos, muitos deles criminosos, e índios em sua maioria de vida nômade. Os jesuítas mantinham os indígenas em pequenas aldeias, isolados de dois terríveis perigos: a vida desregrada e a escravidão impostas pelo homem branco explorador e o conseqüente retorno ao paganismo.
Tematicamente, essas produções mesclavam a realidade local (tanto de índios quanto dos colonos) com narrativas hagiográficas (vidas dos santos). Como toda espécie de dominação cultural prescinde um conhecimento da cultura do dominado, o Padre Anchieta seguiu o preceito da Companhia de Jesus que determinava ao jesuíta o aprendizado da língua onde mantivessem missões. Assim, foi incumbido de organizar uma gramática da língua tupi, o que fez com sucesso.
Há notícia de 25 obras teatrais, todas de tradição medieval com forte influência do teatro de Gil Vicente em sua forma e conteúdo, produzidas nos últimos 50 anos do século XVI. O gênero predominante é o auto e alguns deles não têm autoria comprovada; muitos outros, como se sabe, são atribuídos ao padre Anchieta (por vezes contando com a colaboração do padre Manuel da Nóbrega).
Os espetáculos tinham como elenco os índios catequizados e eram apresentados, na maioria das vezes, ao ar livre – alguns deles tendo a selva por cenário; noutros, ao estilo do teatro medieval, nos átrios das pequenas igrejas.
De todos, o espetáculo mais grandioso foi do "Auto das Onze Mil Virgens", em maio de 1.583, em honra aos padres Cardim e Gouveia e que contou com a participação de todo o povo da Bahia. Este auto, que era uma tragicomédia inspirada na vida de Santa Úrsula e na lenda das onze mil virgens, foi representada cinco vezes entre os anos de 1.582 e 1.605.
O pesquisador Mario Cacciaglia em sua "Pequena História do Teatro Brasileiro" faz uma rica descrição do que teria sido a primeira apresentação (1.583), que ele adjetiva como espetacular, como segue: "...depois da missa, com acompanhamento de um coro de índios, com flautas e, da capela da Catedral, com órgãos e cravos, teve início uma procissão de estudantes precedida pelos vereadores e pelos sobrinhos ou netos do governador; os estudantes carregavam três cabeças de virgens cobertas por um pálio e puxavam sobre rodas uma esplêndida nau sobre a qual eram levadas em triunfo as virgens mártires (estudantes travestidos), enquanto da própria nau eram feitos disparos de arcabuz.
De vez em quando, durante o percurso, falavam das janelas personagens alegóricas, em esplêndidos costumes: a cidade, o próprio colégio e alguns anjos. À noite foi celebrado na nau o martírio das virgens, com o aparato cênico de uma nuvem que descia do céu e dos anjos que chegavam para sepultar as mártires."
Outras narrativas chegam até nós, algumas envolvendo embarcações, salvas de arcabuzes, uivos e gritos de índios, flautas e percussões; todas elas assistidas pelos colonos, pelos índios e, claro, pelas autoridades locais, todos chegando às lágrimas ante os dramas encenados por vezes nos adros das igrejas, noutras em anfiteatros montados no entorno dos templos.
Na visitação de Santa Isabel, considerada última obra do jesuíta, é um diálogo em espanhol que narra o encontro da Virgem Maria com sua prima, Isabel (mãe de São João Batista). Finalizada por uma procissão solene, a encenação era para celebrar a construção de uma Santa Casa de Misericórdia, com data e local de representação obscuros.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Teatro_do_Brasil
Ficava esse teatro no Rio de Janeiro, mais precisamente no Largo do Capim, junto à Rua do Fogo, onde hoje a Rua Uruguaiana quase se encontra com a Avenida Presidente Vargas, cuja construção foi a causa de demolições e total reurbanização do local. O teatro não deixou traços.
Suas atividades tiveram início antes de 1.747, o que é objeto de muita discussão. Seu fundador e proprietário era um dito sacerdote conhecido como Padre Ventura, tocador de “rabeca” (na época violino rudimentar, às vezes com menos cordas), tipo curioso, corcunda e sempre vestido de hábitos eclesiásticos. Foi essa personagem a primeira a montar um teatro em recinto fechado, com palco, lugares para o público e para os músicos. Segundo relatos de quem lá esteve, era um teatro simples mas de alguma beleza.
Pouco se sabe a respeito do que se representava nesse teatro. Sabe-se de peças musicadas de Antonio José, o judeu, e de obras de Metastasio.
De curta mas profícua duração, o Teatro do Padre Ventura pegou fogo em 1.769 e tudo indica que, em 1.773, sob a vice-reinança do Marquês do Lavradio, tiveram início as atividades do Teatro de Manuel Luís, depois Teatro Régio, muito mais desenvolvido e bem aparelhado que o anterior, situado ao lado do Palácio dos Governadores, hoje impropriamente chamado de “Paço Imperial”, cujas atividades perduraram até 1.813, ano da inauguração do Teatro São João, depois com vários outros nomes até adotar o nome pelo qual foi mais conhecido: Teatro São Pedro, situado exatamente onde fica hoje o Teatro João Caetano, com as mesmas arcadas na fachada.
Escrito por Marcus Góes em 17 ago 2.011 nas áreas Artigo
http://www.movimento.com/2011/08/o-primeiro-teatro-do-brasil/
Para quem mora numa cidade cosmopolita, não tem ideia da beleza que vai encontrar quando chega a Ouro Preto.
Na época, Ouro Preto se chamava Vila Rica e era a capital do país, que vivia a corrida a euforia da corrida ao ouro.
Chama-se “Teatro Municipal Casa da Ópera da cidade de Ouro Preto” e é bem grande: são 400 lugares. Passou por uma vultosa restauração e reabriu em 2.007.
Ouro Preto é um cenário importante para as artes no Brasil, na cidade ocorrem festivais, mostras, exposições e festas folclóricas, além de museus e espaços culturais.
http://espacoluau.wordpress.com/2013/01/20/teatro-mais-antigo-do-brasil-esta-em-ouro-preto/
Inaugurado em 1.909, como parte do conjunto arquitetônico das Obras de Reurbanização da Cidade do Rio de Janeiro (RJ), e abertura da Avenida Central, durante a prefeitura de Pereira Passos, exerce desde sua inauguração um importante papel para a cultura carioca e nacional, recebendo em seu palco importantes artistas, orquestras e companhias de Balet.
É dirigido pela Fundação Teatro Municipal, que tem Carla Camurati como presidente. Em 4 de janeiro de 2.013, foi anunciada a troca na direção artística: o maestro Silvio Viegas deixa o cargo, que acumulava com a regência da Orquestra do Teatro Municipal (OTM), e assume o maestro Isaac Karabtchevsky.
A atividade teatral era, na segunda metade do século XIX, muito intensa na cidade do Rio de Janeiro. Ainda assim, a cidade não dispunha de uma sala de espetáculos que correspondesse plenamente a essa atividade e que estivesse à altura da então capital do país. Os seus dois teatros, o de São Pedro e o Lírico, eram criticados pelas suas instalações, quer pelo público, quer pelas companhias que neles atuavam.
Seria necessário esperar até à alvorada do século XX quando a sua construção viria a representar um dos símbolos do projeto republicano para a então capital do Brasil. À época, o então prefeito Pereira Passos promoveu uma grande modernização do centro da cidade, abrindo-se, a partir de 1.903, a Avenida Central (hoje avenida Rio Branco) moldada à imagem dos boulevards parisienses e ladeada por magníficos exemplares de arquitetura eclética.
Nesse contexto, realizou-se um concurso para a construção de um novo teatro, do qual saiu vitorioso o projeto de Francisco de Oliveira Passos (filho do então prefeito Francisco Pereira Passos), que contou com a colaboração do francês Albert Guilbert, com um desenho inspirado na Ópera de Paris, de Charles Garnier.
O edifício foi iniciado em 1.905 sobre um alicerce de mil e seiscentas estacas de madeira fincadas no lençol freático.
Para decorar o edifício, foram chamados os mais importantes pintores e escultores da época, como Eliseu Visconti, Rodolfo Amoedo e os irmãos Bernardelli. Também foram recrutados artesãos europeus para executar vitrais e mosaicos.
Finalmente, quatro anos e meio mais tarde – um tempo recorde para a obra, que teve o revezamento de 280 operários em dois turnos de trabalho – no dia 14 de julho de 1.909 foi inaugurado pelo então presidente da República, Nilo Peçanha, o Teatro Municipal do Rio de Janeiro. Serzedelo Correia era o então prefeito da cidade.
Originalmente com capacidade para 1.739 espectadores, em 1.934, com a constatação de que o teatro estava pequeno para o tamanho crescente da população da cidade, a capacidade da sala foi aumentada para 2.205 lugares. A obra, apesar de sua complexidade, foi realizada em apenas três meses, também tempo recorde para a época. Posteriormente, com algumas modificações, chegou-se ao número atual de 2.361 lugares.
O Teatro Municipal do Rio de Janeiro ostenta obras dos mais renomados artistas brasileiros na época de sua construção. Pinturas de Eliseu Visconti, Henrique Bernardelli e Rodolfo Amoedo e esculturas de Rodolfo Bernardelli.
Eliseu Visconti é o artista com maior presença na ornamentação do teatro, sendo de sua autoria todas as pinturas da sala de espetáculos: o majestoso pano de boca (maior tela já pintada no Brasil), teto sobre a platéia (plafond) e friso sobre o palco (proscênio).
Também de Eliseu Visconti são as pinturas do “foyer” do teatro (teto e painéis laterais), consideradas como obra prima da pintura decorativista no Brasil.
Rodolfo Amoedo executou oito pinturas nas paredes laterais das rotundas do “foyer”, sendo de Henrique Bernardelli a autoria das pinturas dos tetos das duas rotundas.
O restaurante Assirius, no subsolo do teatro, tem a particularidade de ter uma decoração em estilo assírio.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Teatro_Municipal_do_Rio_de_Janeiro
O Teatro Municipal de São Paulo é um dos mais importantes teatros de cidade e um dos cartões postais da capital paulista, tanto por seu estilo arquitetônico semelhante ao dos mais importantes teatros do mundo, e claramente inspirado na Ópera de Paris, como pela sua importância histórica, por ter sido o palco da Semana de Arte Moderna de 1.922, o marco inicial do Modernismo no Brasil.
O teatro foi construído para atender o desejo da elite paulista da época, que queria que a cidade estivesse à altura dos grande centros culturais da época, assim como promover a ópera e o concerto. Abriga atualmente a Orquestra Sinfônica Municipal de São Paulo, Orquestra Experimental de Repertório, Coral Lírico, o Coral Paulistano e o Ballet da cidade de São Paulo.
O edifício faz parte do Patrimônio Histórico do estado desde 1.981, quando foi tombado pelo Condephaat.
O gosto pela música erudita já havia sido formado por influência da Corte, tendo grande impulso durante reinado do Imperador Dom Pedro II e da Imperatriz Teresa Cristina. Vários teatros foram construídos ao longo da costa brasileira e interior do Brasil.
Na cidade de São Paulo, pequenos teatros cumpriam a tarefa da recepção de companhias internacionais que se apresentavam num circuito já bem conhecido: Manaus, no Teatro Amazonas, Belém, no Teatro da Paz, Rio de Janeiro, no Teatro Municipal do Rio de Janeiro. Teatros como o Teatro Provisório Nacional, Teatro Politeama, Teatro Minerva, Teatro Apolo, assim como o melhor deles o Teatro São José, participavam deste circuito.
Inicia-se no ano de 1.895, as discussões sobre a construção de um teatro especificamente para ópera com um projeto enviado para a Câmara Municipal que tramita sem sucesso. Em 1.898, o Teatro São José foi destruído por um incêndio; a Câmara Municipal lança incentivo para o empreendimento da construção do novo teatro, mediante a isenção de impostos.
O empreendimento será efetuado quando a concessão para isenção de impostos é estabelecida em 50 anos, neste momento, o Escritório Técnico de Ramos de Azevedo apresenta a proposta de construção. Outra proposta já havia sido apresentada por Cláudio Rossi ao primeiro prefeito Antônio Prado que faz a aproximação entre o Escritório Técnico de Ramos de Azevedo.
O local escolhido para a construção foi o Morro do Chá, que já abrigava o Novo Teatro São José. Com o projeto de Cláudio Rossi, desenhos de Domiziano Rossi e construção pelo Escritório Técnico de Ramos de Azevedo, as obras foram iniciadas em 1.903 e finalizadas em 1.911. O estilo arquitetônico é o eclético, em voga na Europa desde a segunda metade do século XIX.
São combinados os estilos Renascentista, Barroco do setecentos e Art Nouveau, sendo o último o estilo da época. A inauguração estava marcada para o dia 11 de setembro, mas devido ao atraso na chegada dos cenários da companhia Titta Ruffo,em São Paulo, pois vinham de turnê pela Argentina, foi adiada para 12 de setembro.
Houve uma grande aglomeração de pessoas no entorno do teatro, muitas admiradas pela iluminação com energia elétrica vinda de seu interior e pelo entorno. A noite foi iniciada com o trecho da obra “O Guarani”, de Carlos Gomes, devido a pressão da crítica paulistana. Seguiu-se depois a encenação da ópera “Hamlet”, de Ambroise Thomas, com o barítono Titta Ruffo no papel principal. A companhia apresentou outras óperas durante a primeira temporada.
De 11 a 18 de fevereiro, o Teatro Municipal sediou um evento modernista que veio a ser conhecido como a Semana de Arte Moderna de 1.922. Durante os sete dias de evento ocorreu uma exposição modernista e nas noites dos dias 13, 15 e 17 aconteceram apresentações de música, poesia e palestras sobre a modernidade no país e no mundo.
O Modernismo pregava a ruptura de todo e qualquer valor artístico que existira até o momento, propondo uma abordagem totalmente nova à pintura, à literatura, à poesia e aos outros tipos de arte. A "Semana" contou com nomes já consagrados, como Graça Aranha e outros, que se tornariam futuros grandes expoentes do modernismo brasileiro.
Participaram da Semana Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Anita Malfatti, Guilherme de Almeida, Menotti Del Picchia, Di Cavalcanti,Víctor Brecheret, Heitor Villa-Lobos, entre outros. Tarsila do Amaral não participou da Semana, pois se encontrava na Europa na ocasião e recebeu notícia da mesma através de cartas, sobretudo de Anita Malfatti, amiga que a apresentaria, em meados de 1.922, a Menotti, Mário e Oswald.
Essas cinco personalidades passaram a se frequentar e se reunir a partir de então, passando a se auto-dominar como o Grupo dos Cinco, em que informações sobre a arte moderna eram trocadas, vivenciadas e praticadas.
Atualmente, com mais de 100 anos, o Teatro Municipal de São Paulo é considerado um dos palcos de maior respeito no país, tendo abrigado apresentações dramáticas e óperas de grandes nomes nacionais e internacionais. Passou por um novo restauro em 2.011, durante seu aniversário de 100 anos, que foi feito na fachada, Salão Nobre, além da reconstituição do Bar da Diana, através da restauração total das pinturas parietais e de teto e na volta das poltronas de cor vermelha, devolvendo a este espaço as características da época da inauguração em 1.911.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Teatro_Municipal_de_S%C3%A3o_Paulo
Depois de se tornar referência e ser um grande teatro brasileiro, passou por várias crises e ficou fechado em alguns períodos. Há alguns anos foi reformado e voltou a atuar, até ser fechado novamente.
Durante as várias fases por que passou e durante os anos em que existiu como companhia estável, de 1.948 a 1.964, o palco do TBC chegou a ter o melhor elenco do país, em que se distinguiam: Cacilda Becker, Tônia Carrero, Fernanda Montenegro, Dionisio Azevedo, Cleyde Yáconis, Nydia Lícia, Nathalia Timberg, Tereza Rachel, Paulo Autran, Sérgio Britto, Jardel Filho, Sérgio Cardoso, Walmor Chagas, Ítalo Rossi e muitos outros.
As premissas eram a implantação de um teatro de equipe, em que todos os papéis recebiam o mesmo tratamento, e se valorizavam igualmente a cenografia e a indumentária, a cargo de Aldo Calvo, Bassano Vaccarini, Tulio Costa, Gianni Ratto e Mauro Francini;
Um desdobramento do TBC foi a criação da Companhia Cinematográfica Vera Cruz, cujos galpões em São Bernardo do Campo abrigaram inúmeras produções nacionais, algumas premiadas internacionalmente.
O TBC consolidou a renovação estética do espetáculo brasileiro, iniciada pelo grupo amador carioca de Os Comediantes, e tornou-se a origem de outros conjuntos dele desdobrados, como a Companhia Nydia Lícia-Sérgio Cardoso, a Companhia Tônia-Celi-Autran, o Teatro Cacilda Becker e o Teatro dos Sete. Maria Della Costa, enquanto aguardava a construção de sua casa de espetáculos, passou por ele, e adotou no Teatro Popular de Arte os mesmos princípios.
Acusado de certo conservadorismo, tanto na encenação quanto na escolha de seus textos, além de certo privilégio a uma cultura oficial que mantinha laços com a burguesia dominante, o TBC entrou em sua última fase, alterando suas diretrizes. Passou a confiar as encenações aos brasileiros Flávio Rangel e Antunes Filho, além do belga Maurice Vaneau, e o repertório privilegiou os dramaturgos nacionais Dias Gomes, Jorge Andrade e Gianfrancesco Guarnieri, quando, antes, o autor da casa havia sido Abílio Pereira de Almeida.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Teatro_Brasileiro_de_Com%C3%A9dia
Cacilda Becker Iaconis nasceu em Pirassununga, em 6 de abril de 1.921 e morreu em São Paulo, em 14 de junho de 1.969). Foi uma atriz brasileira, um dos maiores mitos dos palcos nacionais.
Em 30 anos de carreira, Cacilda encenou 68 peças, no Rio de Janeiro e em São Paulo; fez dois filmes (Luz dos Seus Olhos em 1.947 e Floradas na Serra, em 1.954) e uma telenovela (Ciúmes, em 1.966), na TV Tupi além de outras participações em teleteatros na televisão, foi Cacilda quem inaugurou o Teatro Municipal de São Carlos com a peça Esperando Godot no começo de 1.969.
Cacilda provocava paixões avassaladoras e teve três maridos, sendo o último Walmor Chagas, com quem adotou sua única filha, Maria Clara Becker Chagas, nascida em 1.964. Durante a apresentação do espetáculo Esperando Godot, que encenava com o marido Walmor Chagas, na capital paulista, em 6 de maio de 1.969, Cacilda sofreu um derrame cerebral e foi levada para o hospital, ainda com as roupas de seu personagem. Morreu após 38 dias de coma e foi sepultada no Cemitério do Araçá, com a presença de uma multidão de admiradores.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Cacilda_Becker
Em sua homenagem existem dois teatros com seu nome nas dias principais cidades brasileiras, São Paulo e Rio de Janeiro:
O Teatro Cacilda Becker fica no Largo do Machado, no Rio de Janeiro. Ele teve grande importância na formação da dança contemporânea carioca quando, ainda nos anos 70, recebeu apresentações de grupos experimentais e independentes de dança. Foi ali que o espaço começou a desenhar seu perfil de "teatro da dança". Naquela época, ele se chamava Teatro Experimental Cacilda Becker.
Em 1.978, o palco recebeu o 1º Ciclo de Dança Contemporânea, projeto dirigido por Gerry Maretski que reuniu grupos e artistas de dança interessados em expor seus trabalhos, seus processos de criação e em trocar conhecimento com outros artistas. Deste primeiro encontro participaram o Grupo Coringa - que voltou a se apresentar no teatro outras vezes ao longo dos anos 80 -, Ruth Rachou, Suzana Braga, Gilda Murray e Angel Vianna e Klauss Vianna. Outros Ciclos de Dança se seguiram e o projeto ficou marcado como uma das primeiras manifestações coletivas da dança contemporânea brasileira.
O Teatro Cacilda Becker também abrigou os Encontros de Dança promovidos por Rainer Vianna entre 1.978 e 1.982. Eles também foram realizados no Museu de Arte Moderna, na Sala Sidney Miller e no Teatro Glória e consistiam em apresentações de artistas e dançarinos interessados em mostrar seus trabalhos sem fins lucrativos.
Tornou-se palco oficial da dança na cidade do Rio de Janeiro em 1.991. Sua estrutura, com a plateia em formato de arquibancada móvel, permite diferentes configurações do espaço cênico, tornando-o, até hoje, um bom teatro para trabalhos experimentais. Atualmente é administrado pela Funarte, que promove editais públicos de ocupação anualmente.
Em 2.013, o espaço está sendo ocupado pelo projeto Conexão Cacilda, com espetáculos, oficinas e debates.
O nome do teatro é uma homenagem à Cacilda Becker, uma das grandes atrizes do teatro brasileiro, que morreu em 1.969. Em 30 anos de carreira, Cacilda encenou 68 peças e dois filmes, além de uma novela e alguns teleteatros. O teatro fica na Rua do Catete 338, Largo do Machado.
http://www.wikidanca.net/wiki/index.php/Teatro_Cacilda_Becker
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Inaugurado em 25 de janeiro de 1.988, o Teatro Cacilda Becker foi projetado para suprir uma demanda de teatros na zona oeste da cidade, sendo o único teatro da Prefeitura naquela região. Após reforma, o Cacilda Becker foi reinaugurado em 2.009.
O nome é uma homenagem à atriz Cacilda Becker considerada uma das maiores atrizes de palco do Brasil. Em 30 anos de carreira, Cacilda encenou 68 peças, no Rio de Janeiro e em São Paulo;
fez dois filmes e uma telenovela além de outras participações em teleteatros na televisão. Foi a principal atriz do Teatro Brasileiro de Comédia (TBC) e lecionou interpretação na Escola de Arte Dramática de São Paulo (EAD).
Cacilda fundou sua própria companhia e assumiu a Presidência da Comissão Estadual de Teatro em 1.968. Durante sua gestão, fez grandes conquistas e participou ativamente na luta contra a ditadura militar.
http://www.prefeitura.sp.gov.br/cidade/secretarias/cultura/dec/teatros/cacilda_becker/index.php?p=7302
O Theatro da Paz, que originalmente chamava-se Theatro Nossa Senhora da Paz, nome dado pelo Bispo da época Dom Macedo Costa, em homenagem ao fim da guerra do Paraguai, porém sua nomenclatura foi modificada a pedido do próprio Bispo, ao ver que o nome de "Nossa Senhora" seria indigno figurar na fachada de um espaço onde se tinha apresentações mundanas e sem representação eclesiástica alguma, localiza-se na cidade de Belém, no estado do Pará, no Brasil, construído com recursos auferidos da exportação de látex, no Ciclo da Borracha.
Mantém ainda hoje o status de maior teatro da Região Norte e um dos mais luxuosos do Brasil, com cerca de 134 anos de história, além de também ser considerado um dos teatros-monumentos do país, segundo o IPHAN.
Inaugurado em 15 de fevereiro de 1.878, o teatro possui linhas neoclássicas e foi construído no período áureo da exploração da borracha na Amazônia. O seu nome foi sugerido pelo bispo D. Macedo Costa, o qual também lançou a pedra fundamental do edifício, em 3 de março de 1.869. Para o lançamento oficial do teatro, foi encenada a produção do dramaturgo francês Adolphe d'Ennery, As duas órfãs, pela companhia do pernambucano Vicente Pontes de Oliveira.
O Teatro Amazonas é um teatro brasileiro localizado no largo de São Sebastião, no centro de Manaus, capital do Amazonas. O teatro, inaugurado em 1.896, é a expressão mais significativa da riqueza de Manaus durante o Ciclo da Borracha. A orquestra Amazonas Filarmônica regularmente ensaia e se apresenta em seu interior.
Destaca-se também pelo estilo eclético de sua estrutura e os detalhes únicos de sua cúpula, o que o torna um dos teatros mais conhecidos do Brasil e consequentemente o símbolo mais proeminente de Manaus.
Inaugurado em 15 de fevereiro de 1.878, o teatro possui linhas neoclássicas e foi construído no período áureo da exploração da borracha na Amazônia. O seu nome foi sugerido pelo bispo D. Macedo Costa, o qual também lançou a pedra fundamental do edifício, em 3 de março de 1.869. Para o lançamento oficial do teatro, foi encenada a produção do dramaturgo francês Adolphe d'Ennery, As duas órfãs, pela companhia do pernambucano Vicente Pontes de Oliveira.
O autor do projeto foi o engenheiro pernambucano José Tibúrcio Pereira Magalhães. Foi construído por Calandrine de Chermont com pequenas alterações introduzidas pela repartição de Obras Públicas. Ficou pronto em 1.874 mas, devido a denúncias contra os construtores, um inquérito foi aberto e o teatro só foi inaugurado após a sua conclusão.
Ali Carlos Gomes encenou sua mais famosa ópera, O Guarani, e a bailarina russa, Ana Pavlova, passou com suas sapatilhas. O decorador desse cenário privilegiado foi o italiano Domenico de Angelis que, posteriormente, decorou o Teatro Amazonas, de Manaus. Ele foi também o autor do belo painel representando os deuses gregos, Apolo e Diana, no cenário amazônico que fica no teto da sala de espetáculos. Dele também era o teto de jover, perdido por causa de uma infiltração. Esse teto foi repintado em 1.960 por outro artista italiano, Armando Baloni.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Teatro_da_Paz
O Teatro Amazonas é um teatro brasileiro localizado no largo de São Sebastião, no centro de Manaus, capital do Amazonas. O teatro, inaugurado em 1.896, é a expressão mais significativa da riqueza de Manaus durante o Ciclo da Borracha. A orquestra Amazonas Filarmônica regularmente ensaia e se apresenta em seu interior.
A história do Teatro Amazonas inicia-se em 1.881, quando o deputado A. J. Fernandes Júnior apresentou o projeto para a construção de um teatro em alvenaria, na cidade de Manaus.
A proposta foi aprovada pela Assembléia Provincial do Amazonas, e começaram as discussões a respeito da construção do prédio. Manaus, que vivia o auge do ciclo da borracha, era uma das mais prósperas cidades do mundo, embalada pela riqueza advinda do látex da seringueira, produto altamente valorizado pelas indústrias europeias e americanas. A cidade necessitava de um lugar onde pudessem se apresentar as companhias de espetáculos estrangeiras e a construção do teatro, assim, era uma exigência da época, assim como existia um casa de ópera na cidade de Belém, o recém-inaugurado Theatro da Paz.
O projeto arquitetônico escolhido foi o de autoria do Gabinete Português de Engenharia e Arquitetura de Lisboa, em 1.883.
No entanto, em meio às discussões a respeito do local para a edificação e os custos da obra, a pedra fundamental só foi lançada em 1.884. As obras transcorreram de forma lenta e somente no governo de Eduardo Ribeiro, no apogeu do ciclo da borracha, a construção tomou impulso. Foram trazidos arquitetos, construtores, pintores e escultores da Europa para a realização da obra. A decoração interna ficou ao encargo de Crispim do Amaral, com exceção do Salão Nobre, a área mais luxuosa do prédio, entregue ao artista italiano Domenico de Angelis. O teatro foi finalmente inaugurado no dia 31 de Dezembro de 1.896.
"Encontro das Águas", de Crispim do Amaral.
A sala de espetáculos do teatro tem capacidade para 701 pessoas, distribuídas entre a plateia e os três andares de camarotes. No Salão Nobre, com características barrocas, destaca-se a pintura do teto, denominada "A Glorificação das Bellas Artes na Amazônia", de 1.899, de autoria de Domenico de Angelis.
Destacam-se os ornamentos sobre as colunas do pavimento térreo, com máscaras em homenagem a dramaturgos e compositores clássicos famosos, tais como Ésquilo, Aristófanes, Moliére, Rossini, Mozart, Verdi e outros. Sobre o teto abobadado estão afixadas quatro telas pintadas em Paris pela Casa Carpezot - a mais tradicional da época -, em que são retratadas alegorias à música, à dança, à tragédia e uma homenagem ao grande compositor brasileiro Carlos Gomes.
Do centro, pende um lustre dourado com cristais, importado de Veneza, que desce até ao nível das cadeiras para a realização de sua manutenção e limpeza.
Cúpula
É composta de 36 mil peças de escamas em cerâmica esmaltada e telhas vitrificadas, vindas da Alsácia. Foi adquirida na Casa Koch Frères, em Paris. A pintura ornamental é da autoria de Lourenço Machado. O colorido original, em verde, azul e amarelo é uma analogia à exuberância da bandeira brasileira.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Teatro_Amazonas
Paulo Autran mudou-se cedo para São Paulo, onde passou a maior parte de sua vida e estudou no Colégio Marista Arquidiocesano de São Paulo. Depois estudou Direito na capital paulista por influência do pai - que era delegado de polícia - e formou-se na Faculdade de Direito do Largo São Francisco em 1.945, inicialmente pensando em ser diplomata.
Após seu primeiro êxito comercial, Autran resolveu largar a advocacia e passou a se dedicar exclusivamente à carreira artística, dando prioridade ao teatro, sua grande paixão. Chegou a atuar em alguns filmes e telenovelas, mas foi no palco que desenvolveu sua arte e se tornou conhecido, vindo a receber o epíteto de "O Senhor dos Palcos". No entanto, também teve memoráveis atuações na televisão e no cinema, em especial por sua participação em Terra em Transe, clássico de Glauber Rocha.
Na televisão destacou-se em Guerra dos Sexos, em que contracenava ao lado de Fernanda Montenegro e protagonizou algumas cenas antológicas da teledramaturgia, e em Pai Herói, quando viveu o vilão carismático Bruno Baldaraci. Nos últimos anos fez apenas participações especiais, principalmente em minisséries, a última das quais Um Só Coração, em 2.004. Em 2.012 aparece em uma participação especial na telenovela Guerra dos Sexos apenas um flashblack e o seu velório, ambos exibidos no primeiro capítulo.
Seu último personagem no cinema foi no filme O Passado, de Héctor Babenco.
Estreou seu 90º espetáculo em 2.006, a peça O Avarento, de Molière, no Teatro Cultura Artística. Essa peça teve a sua temporada suspensa porque o ator apresentou problemas de saúde.
Em 15 de julho de 2.011, a Lei 12.449 o declarou Patrono do Teatro Brasileiro.
Alguns prêmios
1.953 - Prêmio Saci de melhor intérprete por Antígone, Na Terra Como No Céu e Assim É...(Se Lhe Parece).
1.964 - Prêmio APCT, de melhor ator por Depois da Queda, de Arthur Miller.
1.982 - Prêmio Molière de melhor ator por Traições, de Harold Pinter.
1.987 - Prêmio de melhor ator no Festival de Brasília pela interpretação no filme O País dos Tenentes
1.988 - Prêmio Air France de melhor ator pela interpretação no filme O País dos Tenentes
1.989 - Prêmio APETESP especial pelos 40 anos de profissão.
2.000 - Prêmio APCA e Prêmio Shell de melhor ator de teatro por Visitando o Sr. Green, de Jeff Baron.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Paulo_Autran
Filha de Hermenegildo Portocarrero, militar, e de Zilda de Farias. Por parte paterna era descendente do barão Hermenegildo de Albuquerque Porto Carrero.
Apesar de graduada em educação física, a formação de Tônia como atriz foi obtida em cursos em Paris, quando já era casada com o artista plástico Carlos Arthur Thiré, pai do ator e diretor Cecil Thiré. Ao voltar da França, protagonizou o filme Querida Susana.
Foi a estrela da Companhia Cinematográfica Vera Cruz, tendo atuado em diversos filmes.
A estreia em teatro foi no Teatro Brasileiro de Comédia (TBC) em São Paulo, com a peça Um Deus Dormiu Lá em Casa, onde teve como parceiro o ator Paulo Autran. Após a passagem pelo TBC formou, com seu marido à época, o italiano Adolfo Celi e com o amigo Paulo Autran, a Companhia Celi-Autran-Carrero que, nos anos 50 e 60 revolucionou a cena do teatro brasileiro ao constituir um repertório com peças de autores clássicos, como Shakespeare e Carlo Goldoni, e de vanguarda, como Sartre.
Na TV, um dos seus personagens mais marcantes foi a sofisticada e encantadora Stella Fraga Simpson em Água Viva (1.980), de Gilberto Braga. Tônia viria a trabalhar novamente com o autor, em 1.983, na novela Louco Amor, dessa vez interpretando a não menos charmosa e chique Mouriel. Tanto em Água Viva como em Louco Amor, Tônia perdeu o papel da vilã para Beatriz Segall e Tereza Rachel, respectivamente. Mesmo assim os dois personagens que interpretou foram um sucesso.
http://pt.wikipedia.org/wiki/T%C3%B4nia_Carrero
Walmor de Souza Chagas nasceu em Porto Alegre ou Alegrete, em 28 de agosto de 1.930 e morreu em Guaratinguetá, em 18 de janeiro de 2.013. Foi um ator, autor, diretor e produtor teatral brasileiro.
Mudou-se para São Paulo no começo dos anos 50, buscando uma chance no cinema. Cursou a Faculdade de Filosofia da Universidade de São Paulo. Foi homem de teatro, com larga atuação, e era apontado como artista de indiscutíveis méritos e criador de personagens de grande impacto.
Em 1.952 fundou o Teatro das Segundas-Feiras, junto com Ítalo Rossi, encenando “Luta até o amanhecer”, de Ugo Betti. Estreou no Teatro Brasileiro de Comédia em 1.954, atuando na peça “Assassinato a domicílio”, de Frederick Knott, com direção de Adolfo Celi.
A estreia de Walmor Chagas no cinema aconteceu em 1.965, quando interpretou o empresário Carlos em São Paulo S/A, de Luís Sérgio Person, e contracenou com Eva Wilma. O filme recebeu o Prêmio Cabeza de Palenque na VIII Reseña Mundial de los Festivales Cinematográficos de Acapulco, e a atuação de Walmor recebeu elogios do cineasta espanhol Luis Buñuel.
Na televisão, fez inúmeros personagens marcantes como o Fábio em Locomotivas, Alberto Karany em Coração Alado, Horácio Ragner em Eu Prometo, Oliva em Vereda Tropical, Afonso da Maia em Os Maias, Guilherme Amarante Paes em Salsa e Merengue e mais recentemente o Dr. Salvatore em A Favorita.
Também participou de outras obras importantes na TV como Avenida Paulista, O Pagador de Promessas e Mad Maria.
Walmor Chagas era viúvo da atriz Cacilda Becker, com quem viveu durante treze anos - até a morte dela, em 1.969. A união teve início em 1.956, durante os ensaios de Gata em Teto de Zinco Quente, de Tennessee Williams, sob a direção de Maurice Vaneau.
O casal tinha uma filha, adotada em 1.964, a cantora Maria Clara Becker Chagas, conhecida como Clara Becker.
Walmor foi encontrado morto por um funcionário da pousada "Sete Nascentes", de sua propriedade, no bairro Gomeral, em Guaratinguetá, interior de São Paulo.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Walmor_Chagas
Gentile Maria Marchioro Della Costa Poloni, conhecida como Maria Della Costa, nasceu em Flores da Cunha, em 1 de janeiro de 1.926. É uma grande atriz brasileira.
Nascida no interior do Rio Grande do Sul, já no Rio de Janeiro estreia como show-girl no Cassino Copacabana. Em 1.944, estreia no teatro em "A Moreninha", de Joaquim Manuel de Macedo. Em seguida vai para Portugal estudar arte dramática com a atriz Palmira Bastos, no Conservatório de Lisboa.
De volta ao Brasil, passa a fazer parte do grupo Os Comediantes e participa de espetáculos como: Rainha Morta, de Henry de Montherlant (1.946); em 1.947, Terras do Sem Fim, de Jorge Amado; Vestido de Noiva, de Nelson Rodrigues; e Não Sou Eu, de Edgard da Rocha Miranda.
Funda em 1.948, junto com seu marido, o ator Sandro Polloni, o Teatro Popular de Arte, e estreia a peça "Anjo Negro", de Nelson Rodrigues, no Teatro Fênix, Rio de Janeiro.
Em 1.954 inaugura sua própria casa de espetáculos, o Teatro Maria Della Costa, em São Paulo, projetado por Oscar Niemeyer e Lúcio Costa. Sandro Polloni, à frente da casa, cria um repertório considerado um dos melhores do teatro brasileiro. Montagens como "Tobacco Road", de Erskine Caldwell e Jack Kirkland (1.948), "A Prostituta Respeitosa", de Sartre (1.948), "Com a Pulga Atrás da Orelha", de Feydeau (1.955), "A Moratória", de Jorge Andrade (1.955), "Rosa Tatuada", de Tennessee Williams (1.956), e "A Alma Boa de Setsuan", de Brecht (1.958), marcam essa fase.
A Companhia segue por uma excursão pela Europa e em 1.963 lotam por 45 dias casas de espetáculos em Buenos Aires. Ao visitar Nova York conhece o autor Arthur Miller e dele traz, para comemorar os dez anos de seu teatro (1.964), a famosa peça Depois da Queda, dirigida por Flávio Rangel. Com esse mesmo diretor faz também os espetáculos Homens de Papel, de Plínio Marcos (1967), Tudo no Jardim, de Edward Albee (1.968), entre outros.
No cinema atuou em diversos filmes: "O Cavalo 13" (1.946) e "O Malandro e a Grã-fina" (1.947), ambos sob a direção de Luiz de Barros; "Inocência" (1.949); "Caminhos do Sul" (1.949); e "Moral em Concordata" (1.959). É dirigida pelo italiano Camillo Mastrocinque no premiado "Areião" (1.952), produção da Maristela Filmes. Já na televisão teve pouca participação: fez a novela Beto Rockfeller, na TV Tupi, em 1.968, e na TV Globo atuou em Estúpido Cupido (1.976) e Te contei? (1.978).
Em São Paulo, no bairro da Bela Vista, foi fundado em 1.954 um teatro que leva seu nome. Nos palcos do Teatro Maria Della Costa passaram os melhores atores e atrizes do teatro brasileiro, bem como importantes cenógrafos, como Gianni Ratto e Franco Zampari.
Atualmente, Maria Della Costa vive no município fluminense de Parati, onde, aos 85 anos, administra seu hotel.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Maria_Della_Costa
Sérgio Fonseca de Mattos Cardoso mais conhecido como Sérgio Cardoso, nasceu em Belém, em 15 de março de 1.925 e morreu no Rio de Janeiro, em 18 de agosto de 1.972. Foi um ator brasileiro.
Formou-se em Direito no Rio de Janeiro e sonhava com o Itamarati, queria ser diplomata. Despertou para o teatro ao conhecer o Teatro Universitário do Rio de Janeiro, e sua estreia foi no papel-título de Hamlet, de Shakespeare. O sucesso foi tão grande que contribuiu para sua decisão de seguir a carreira de ator. Foi para o Teatro Brasileiro de Comédia, de São Paulo, onde fez peças importantes, como: Entre Quatro Paredes, A Ópera dos Três Vinténs, Do Mundo Nada se Leva, Seis Personagens à Procura de um Autor, Convite ao Baile, A Falecida, A Raposa e as Uvas e A Ceia dos Cardeais.
Em 1.949 fundou sua própria companhia teatral, o Teatro dos Doze, em sociedade com a atriz Nydia Lícia, com quem foi casado e teve uma filha, Silvia.
Na TV Tupi, Sérgio Cardoso fez várias telenovelas de sucesso: O Sorriso de Helena, O Cara Suja, O Preço de uma Vida, O Anjo e o Vagabundo, Somos Todos Irmãos e Antônio Maria — esta última escrita por Geraldo Vietri, na qual contracenou com Aracy Balabanian. Em 1.968, atuou em O Santo Mestiço, novela sobre a vida de São Mantinho de Porres, além de aparecer no filme A Madona de Cedro, no papel do sacristão aleijado Pedro.
A partir de 1.969 participou de diversas novelas da TV Globo, dentre elas A Cabana do Pai Tomás, Pigmalião 70 e A Próxima Atração.
O Primeiro Amor foi seu último trabalho: o ator faleceu devido a um ataque cardíaco a apenas 28 capítulos do desfecho da trama e seu personagem foi então interpretado por Leonardo Villar.
Mais de vinte mil pessoas acompanharam o enterro do ator em São Paulo. Após sua morte, houve rumores de que Sérgio havia sido enterrado vivo, fato enfaticamente negado por parentes e amigos.
No local onde ele fundou a companhia de teatro, no bairro da Bela Vista, hoje existe o Teatro Sérgio Cardoso.
http://pt.wikipedia.org/wiki/S%C3%A9rgio_Cardoso
Considerada tanto pelo público quanto pela crítica brasileira como uma das maiores damas do teatro, TV e cinema de todos os tempos, é a primeira atriz latino americana e a única brasileira já indicada ao Oscar de melhor atriz, sendo nomeada por seu trabalho em Central do Brasil em 1.999.
Em 1.999, foi condecorada com a maior comenda que um brasileiro pode receber da Presidência da República, a Grã-Cruz da Ordem Nacional do Mérito, “pelo reconhecimento ao destacado trabalho nas artes cênicas brasileiras”, entregue pelo então presidente Fernando Henrique Cardoso.
Iniciou sua carreira no ano de 1.950, na peça Alegres Canções nas Montanhas, ao lado daquele que seria seu marido por toda a vida, Fernando Torres.
Sua estreia em cinema se dá na produção de 1.964 para a tragédia de Nelson Rodrigues, A Falecida, sob direção de Leon Hirszman.
Além de ter sido cinco vezes galardoada com o Prêmio Molière, e ter recebido três vezes o Prêmio Governador do Estado de São Paulo, ganhou ainda o Urso de Prata de melhor atriz no Festival de Berlim de 1.998 pela interpretação de Dora no filme Central do Brasil de Walter Salles, o que valeu também uma indicação ao Oscar de melhor atriz em 1.999 e ao Globo de Ouro de Melhor atriz em filme dramático.
Recebeu também vários prêmios da crítica americana, no mesmo ano. Na televisão participou de centenas de teleteatros na extinta TV Tupi, que na direção revezavam-se Fernando Torres, Sérgio Britto e Flávio Rangel, telenovelas na extinta TV Excelsior e na TV Rio e na Rede Record e dezenas de produções na Rede Globo.
Torres é seu sobrenome de casada, apesar de ser viúva. Quando solteira possuía Silva ao invés de Torres.
Nascida no bairro do Campinho, subúrbio do Rio, filha de uma dona de casa e de um mecânico, Fernanda cresceu neste ambiente, frequentando colégios públicos e o sítio dos seus avós em Jacarepaguá.
Aos quinze anos, porém, Fernanda, ainda no terceiro ano do curso de secretariado, inscreveu-se num concurso como locutora na Rádio MEC, fator que foi decisivo para a sua carreira. O concurso, chamado "Teatro da Mocidade", era voltado a despertar jovens talentos para o radialismo.
Fernanda permaneceu na Rádio por dez anos, inicialmente como locutora e depois como atriz. Foi lá que Fernanda, ao começar a escrever, adotou o pseudônimo "Fernanda Montenegro".
Paralelamente, a atriz passou a lecionar português para estrangeiros no Berlitz, curso que havia frequentado por quatro anos. Era a forma de obter alguma remuneração, já que o trabalho na Rádio nem sempre era remunerado.
Entre os filmes em que atuou no cinema estão A Falecida (1.964) e Eles Não Usam Black-Tie (1.980), ambos de Leon Hirszman. E, mais recentemente, Olga, de Jayme Monjardim, onde interpretou Leocádia Prestes, mãe do líder comunista Luís Carlos Prestes; Redentor (2.004), dirigido por seu filho, Cláudio Torres; Casa de Areia (2.005), filme dirigido pelo genro Andrucha Waddington, marido de sua filha, a atriz Fernanda Torres; e Love in the Time of Cholera (br: O Amor nos Tempos do Cólera), de Mike Newell, lançado em 2.007, onde fez a personagem Tránsito Ariza, mãe do personagem do ator espanhol Javier Bardem.
Em 2.010 viveu a protagonista Bete em Passione, de Sílvio de Abreu. Em 2.012 protagonizou o último episódio da minissérie As Brasileiras como a artista decadente Mary Torres no episódio Maria do Brasil, e no especial de fim de ano Doce de Mãe em que interpretou Dona Picucha, personagem principal onde recebeu uma indicação ao prêmio Emmy Internacional de melhor atriz.
Em mais de cinquenta anos de carreira, participou de dezenas de espetáculos teatrais, interpretando de tudo: da clássica tragédia grega à comédia de boulevard, do musical brasileiro a espetáculos de vanguarda. Sempre ao lado de grandes nomes, do elenco à direção.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Fernanda_Montenegro
Zbigniew Marian Ziembiński nasceu em Wieliczka, em 7 de março de 1.908 e morreu no Rio de Janeiro, em 18 de outubro de 1.978. Mais conhecido como Ziembinski, foi um ator e diretor de teatro, cinema e televisão.
Desde os doze anos envolvido com o mundo teatral, deixa sua terra natal em 1941, com 33 anos, quando emigra para o Brasil.
Chamado carinhosamente de Zimba, é considerado um dos fundadores do moderno teatro brasileiro por sua encenação inovadora do texto Vestido de Noiva, em 1.943 do dramaturgo Nelson Rodrigues. Com esta montagem e por seu processo de ensaio, introduz-se a noção de diretor no teatro brasileiro, aquele que cria uma encenação, quase como um pintor da cena, substituindo a de ensaiador, aquele que se preocupava apenas em distribuir papéis e ordenar a movimentação em cena.
A direção de Ziembiński de Vestido de Noiva, soube equacionar os vários planos propostos por Nelson Rodrigues, que contrastam entre o imaginário, o sonho e a realidade de forma brilhante, aliada à cenografia de Tomás Santa Rosa, com enorme quantidade de variações de luz - fala-se em 132 diferentes efeitos utilizados na encenação, fato marcante na história do teatro brasileiro da época.
Outra novidade introduzida por Zimba foi o extenso processo de ensaios no grupo amador que encenou a peça, Os Comediantes, que consumiu muitos meses. Até aquela peça, o usual no teatro brasileiro era ensaiar um semana e apresentar-se na seguinte, com poucos ensaios e com os atores recebendo apenas as suas falas, método comum no teatro profissional de Procópio Ferreira e de seus contemporâneos.
Antes de chegar ao Brasil, formou-se em letras e cursou a Escola de Arte Dramática do Teatro Municipal de Cracóvia, atuando em mais de vinte papéis entre 1.927-1.929. Depois desloca-se para Varsóvia onde trabalha como diretor e ator no "Teatr Polski" (Teatro Polaco) e "Teatr Mały" (Teatro Pequeno). Em 1931, já em Łódź atua e dirige algumas peças no Teatro Municipal e no Teatro de Câmara.
Em 1.923 retorna a Varsóvia, onde trabalha intensamente até o início da Segunda Guerra Mundial. O repertório das peças dirigidas por Ziembinski na Polônia foi majoritariamente de textos de autores poloneses, o inverso do que fará em nosso país, procurando encenar autores de muita importância na dramaturgia universal.
Este fato pode ser acompanhado pelos espetáculos que se seguiram a Vestido de Noiva: Pelleas e Melisande, de Maeterlinck 1.943, com a mesma companhia, e Anjo Negro, retornando a Nélson Rodrigues, em 1.948, com o Teatro Popular de Arte (TPA), onde Ziembinski retoma o estilo expressionista introduzido em sua primeira peça brasileira. Se este texto de Nelson Rodrigues, expõe acidamente a questão do racismo, Ziembinski irá sobrepor efeitos que engrossarão o caldo da polêmica e do escândalo. No mesmo ano e na mesma companhia, dirige e protagoniza Woyzeck, de Georg Büchner.
Antes de se mudar para São Paulo, convidado a participar do Teatro Brasileiro de Comédia, Ziembinski dirige em Recife o simbólico Nossa Cidade, de Thornton Wilder (1.949), Pais e Filhos, de Ivan Turgueniev, e Esquina Perigosa, de J. B. Priestley, no Teatro de Amadores de Pernambuco TAP. Outra incursão, agora no Teatro Universitário de Pernambuco (TUP), será Além do Horizonte, de Eugene O'Neill, e Fim de Jornada, de Robert Sheriff.
Em 1.950 além de trabalhar no Teatro Brasileiro de Comédia (TBC) de Franco Zampari, fez vários trabalhos com Cacilda Becker e também leciona arte dramática na então Escola de Arte Dramática (EAD), de Alfredo Mesquita, entre 1.951 e 1.957.
No cinema participa do filme Tico-tico no Fubá, com Anselmo Duarte e Tônia Carrero e A Madona de Cedro. Tendo participado em mais de cem espetáculos em solo brasileiro e trabalhado com importantes atores como Cacilda Becker, Walmor Chagas, Cleyde Yáconis, Nicette Bruno, Paulo Goulart, Fernando Torres, marcou uma geração inteira de artistas, ao mesmo tempo que trouxe a cena uma quantidade importantes de importantes dramaturgos da cena internacional.
Já nos anos setenta será contratado pela Rede Globo onde coordenou diversos núcleos de produção, especialmente o Departamento de Casos Especiais.
Foram 50 anos de teatro, 35 deles no Brasil dirigindo 94 peças. Também foi pintor e fotógrafo até 1978. Morreu aos 70 anos. Para o crítico Sábato Magaldi Ziembiński foi "um monstro do teatro, figura extraordinária que pairou sobre a beleza do Rio de Janeiro".
http://pt.wikipedia.org/wiki/Ziembinski
Filha do imigrante italiano Edmondo Iaconis e de Alzira Becker , iniciou sua carreira no Teatro Brasileiro de Comédia (TBC) ao lado da irmã, a atriz Cacilda Becker. Tem um dos repertórios teatrais mais variados e ilustres da dramaturgia nacional. Para Cleyde, sempre foi normal a escalação para interpretar personagens de mais idade que a sua própria, talvez devido à sua voz de contralto e suas feições graves.
Participou ativamente em produções de teatro e televisão, mas em cinema atuou muito pouco em mais de meio século de carreira. Seu último papel na TV foi a divertida Dona Brígida Gouveia, na novela Passione, de Sílvio de Abreu, exibida pela Rede Globo.
Dentre seus trabalhos na televisão, destacam-se Mulheres de Areia, Os Inocentes, Gaivotas, Ninho da Serpente, Rainha da Sucata, Vamp e Torre de Babel.
Em 29 de setembro de 2.009, o antigo Teatro Cosipa Cultura passou a chamar-se Teatro Cleyde Yáconis, em homenagem à atriz que protagonizou a primeira peça montada na casa – O Caminho para Meca.
Morreu em 15 de abril de 2.013 no hospital Sírio Libanês, em São Paulo. Onde se encontrava internada desde outubro de 2.012. O corpo da atriz foi enterrado por volta das 17h30, da terça-feira dia 16 de abril de 2.013 no Cemitério de Cajamar no município de Cajamar no estado de São Paulo.
Venceu o prêmio melhor atriz de teatro no Troféu APCA/2.006 pelo espetáculo A louca de Chaillot.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Cleyde_Y%C3%A1conis
Trabalhou em um banco e um hotel antes entrar na carreira teatral, atuando profissionalmente pela primeira vez em uma peça infantil no ano de 1.965. Antes de ganhar papéis de destaque na teledramaturgia, participou da novela "A Ponte dos Suspiros" da Rede Globo, em 1.969, como um figurante que fazia parte de cenas que simulavam batalhas. A partir dos anos 70 fez filmes para o cinema e com o passar dos anos até o final da década 90 esteve envolvido na produção de novelas na Rede Bandeirantes, Rede Tupi e em sua maioria na Rede Globo, fazendo uma carreira de sucesso na televisão. No ano de 1.986 estreou a peça O Mistério de Irma Vap, montagem protagonizada junto com Ney Latorraca e reconhecida pelo Guinness Book como a peça que manteve o mesmo elenco por mais tempo, sendo 11 anos em cartaz.
Prêmios Recebidos
2.011 - Prêmio Bravo! Bradesco Prime de Cultura - Artista do Ano
2.010 - Prêmio Faz diferença do Jornal O Globo.
Cinema
2.003 - Prêmio Qualidade Brasil .... melhor ator em Lisbela e o Prisioneiro
2.003 - Associação dos Correspondentes da Imprensa Estrangeira .... melhor ator em Apolônio Brasil, Campeão da Alegria
2.002 - Festival de Cinema Brasileiro em Miami .... melhor ator em Copacabana
1.998 - Festival de Cinema Brasileiro em Miami e Festival de Cinema de Santa Cruz .... melhor ator em Amor & Cia.
1.994 - Festival de Cinema de Damasco .... melhor ator por júri popular em Carlota Joaquina, Princesa do Brazil e
Prêmio Governador do Estado .... melhor ator em Anjos da Noite
Televisão
2.002 - Prêmio APCA .... melhor ator em A Grande Família
2.001 - Prêmio Qualidade Brasil .... melhor ator de sitcom em A Grande Família
http://pt.wikipedia.org/wiki/Marco_Nanini
É filha do ator Procópio Ferreira e da bailarina espanhola Aída Izquierdo. Nem Bibi sabe ao certo o dia em que nasceu. A mãe dizia que ela nascera em 1º de Junho; o pai falava que a data era 4 de Junho mas, sua certidão de nascimento traz a data de 10 de Junho.
Fez sua estreia teatral aos 24 dias de vida, na peça Manhãs de Sol, de autoria de Oduvaldo Vianna, substituindo uma boneca que desaparecera pouco antes do início do espetáculo. Logo após os pais se separaram e Bibi passou a viver com a mãe, que foi trabalhar na Companhia Velasco, uma companhia de teatro de revista espanhola. Seu primeiro idioma, até os quatro anos, foi o espanhol. O idioma português e o grande amor pela ópera ela viria a aprender com o pai.
Bibi Ferreira participou, atuando ou dirigindo, de alguns dos grandes espetáculos teatrais e musicais montados no Brasil. Em 1.970, dirigiu Brasileiro, Profissão: Esperança, de Paulo Pontes (foi numa das versões desse espetáculo que pela primeira vez dirigiu a cantora Maria Bethânia, na outra versão dirigiu Clara Nunes);
em 1.972, atuou em O Homem de La Mancha ao lado de Paulo Autran, com tradução de Paulo Pontes e Flávio Rangel, além das versões de Chico Buarque e Ruy Guerra para as canções; em 1975, participou de Gota d'Água, de Chico Buarque e Paulo Pontes; em 1976, dirigiu Walmor Chagas, Marília Pêra, Marco Nanini e 50 artistas em Deus Lhe Pague, de Joracy Camargo.
Na década de 80, dirigiu de textos comerciais a peças de dramaturgia sofisticada, de musicais de grande porte a dramas intimistas. Em 1.980, dirigiu Toalhas Quentes, de Marc Camoletti; em 1.981, Um Rubi no Umbigo, de Ferreira Gullar, e Calúnia, de Lillian Hellman. No mesmo ano, com sua produção e direção, estreou O Melhor dos Pecados, de Sérgio Viotti, promovendo a volta aos palcos de Dulcina de Moraes, após vinte anos de ausência.
Em 1.983 voltou aos palcos com Piaf, a Vida de uma Estrela da Canção, espetáculo de grande sucesso de público e crítica. Por sua atuação recebeu os prêmios Mambembe e Molière, em 1.984 e, no ano seguinte, da Associação dos Produtores de Espetáculos Teatrais do Estado de São Paulo (APETESP) e Governador do Estado. O espetáculo, que fez muitas viagens, permaneceu seis anos em cartaz e, em quatro anos, atingiu um milhão de espectadores, incluindo uma temporada em Portugal, com atores portugueses no elenco.
Nos anos 90, Bibi Ferreira reviveu seus maiores sucessos, remontando Brasileiro, Profissão: Esperança e fazendo um espetáculo em que cantava canções e contava histórias de Piaf. Em Bibi in Concert, comemorou 50 anos de carreira e, depois de anos de temporada, fez o Bibi in Concert 2. Em 1.996 recebeu o Prêmio Sharp de Teatro. Encenou Roque Santeiro, de Dias Gomes, em versão musical. Em 1.999, dirigiu pela primeira vez uma ópera, Carmen de Georges Bizet.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Bibi_Ferreira
Sérgio Pedro Corrêa de Britto nasceu no Rio de Janeiro, em 29 de junho de 1.923 e morreu também no Rio de Janeiro, em 17 de dezembro de 2.011. Foi um consagrado ator, diretor, apresentador e roteirista de cinema, televisão e teatro brasileiro.
Considerado um dos maiores atores do país, Sérgio Britto foi responsável pela direção de Ilusões Perdidas, primeira telenovela produzida e exibida pela TV Globo. Apesar de seu pioneirismo na televisão, foi o teatro que o consagrou.
Considerado um dos maiores atores do país, Sérgio Britto foi responsável pela direção de Ilusões Perdidas, primeira telenovela produzida e exibida pela TV Globo. Apesar de seu pioneirismo na televisão, foi o teatro que o consagrou.
Filho de Lauro e Alzira, seu pai era funcionário público e sua mãe, dona de casa. Sérgio vivia com eles e o irmão, Hélio. Uma típica família da Vila Isabel daquela época: todos religiosos, tradicionais e conservadores.
A idéia de ser ator não passava por sua cabeça, tanto é que chegou a cursar até o sexto ano de medicina, na Faculdade da Praia Vermelha. Mas foi no teatro universitário amador, fazendo o papel de Benvoglio em Romeu e Julieta, que Sérgio descobriu que o teatro seria sua vida. No ano de 1.945 abandonou a medicina para se dedicar à sua paixão.
Sérgio foi o criador, diretor e ator do Grande Teatro Tupi, que foi ao ar por mais de dez anos.
Com elenco no qual se destacam Fernanda Montenegro, Ítalo Rossi, Natália Thimberg, Manoel Carlos, Fernando Torres, Zilka Salaberry, Aldo de Maio e Cláudio Cavalcanti, o teleteatro apresentou sob o seu comando repertório de mais de 450 peças dos maiores autores nacionais e estrangeiros.
Depois de seis anos na extinta TV Tupi, o Grande Teatro transfere-se, para a TV Rio e depois, por seis meses, para a TV Globo – um programa formador de plateia, referência na história da televisão e do teatro brasileiro. Na carreira teatral, mais de 90 espetáculos representados.
Em 2.010, protagonizou juntamente com Suely Franco, a peça Recordar é Viver, com direção de Eduardo Tolentino de Araújo. No mesmo ano, lança sua segunda autobiografia O Teatro e Eu.
Uma corajosa revisão de seus 86 anos de idade, dos quais 65 de carreira na televisão, cinema e, principalmente, no teatro. Também em 2.010, por conta de uma cláusula de exclusividade no contrato com a Rede Globo, que Sérgio Britto não aceita, é substituído por Leonardo Villar, em Passione.
Apresentou o programa semanal Arte com Sérgio Britto, na TV Brasil.
http://pt.wikipedia.org/wiki/S%C3%A9rgio_Britto
Gianfrancesco Sigfrido Benedetto Guarnieri nasceu em Milão, em 6 de agosto de 1.934 e morreu em São Paulo, em 22 de julho de 2.006. Foi um importante ator, diretor, dramaturgo e poeta ítalo-brasileiro, foi um artista de destaque no Teatro de Arena de São Paulo e sua mais importante obra foi Eles Não Usam Black-Tie.
Por conta do fascismo que tomava conta da Itália, seus pais, o maestro Edoardo Guarnieri e a harpista Elsa Martinenghi, decidiram vir para o Brasil em 1.936 e se estabeleceram no Rio de Janeiro.
Gianfrancesco Sigfrido Benedetto Martinenghi de Guarnieri no dia 2 de junho de 2.006, gravava no Teatro Oficina a telenovela Belíssima, da Rede Globo, em que interpretava o personagem Pepe, e sentiu-se mal, tendo sido internado no Hospital Sírio-Libanês, onde veio a falecer de insuficiência renal crônica, cinquenta dias depois, no dia 22 de julho.
Foi enterrado no cemitério Jardim da Serra em cerimônia particular na cidade de Mairiporã, onde morava.
Por conta do fascismo que tomava conta da Itália, seus pais, o maestro Edoardo Guarnieri e a harpista Elsa Martinenghi, decidiram vir para o Brasil em 1.936 e se estabeleceram no Rio de Janeiro.
Gianfrancesco Sigfrido Benedetto Martinenghi de Guarnieri no dia 2 de junho de 2.006, gravava no Teatro Oficina a telenovela Belíssima, da Rede Globo, em que interpretava o personagem Pepe, e sentiu-se mal, tendo sido internado no Hospital Sírio-Libanês, onde veio a falecer de insuficiência renal crônica, cinquenta dias depois, no dia 22 de julho.
Nasceu em Milão, Itália, em 6 de agosto de 1,934, filho de músicos antifascistas. No início dos anos 1.950 a família se mudou para São Paulo. Líder estudantil desde a adolescência, Guarnieri começou a fazer teatro amador com Oduvaldo Vianna Filho (Vianinha) e um grupo de estudantes de São Paulo, e em 1.955 criaram o Teatro Paulista do Estudante, com orientação de Ruggero Jacobbi. No ano seguinte, o TPE uniu-se ao Teatro de Arena, fundado e dirigido por José Renato.
Sua peça de estreia, como dramaturgo, foi Eles Não Usam Black-Tie, encenada em 1.958 pelo Teatro de Arena. A direção foi de José Renato e o elenco contou com grandes talentos que começavam a despontar no teatro brasileiro, como o próprio Guarnieri (no papel de Tião), com a estreia profissional de Lelia Abramo (Romana), Miriam Mehler (Maria), Flavio Migliaccio (Chiquinho), Eugênio Kusnet, (Otávio), Francisco de Assis (Jesuíno), Henrique César (João), Celeste Lima (Teresinha), Riva Nimtz (Dalva) e Milton Gonçalves (Bráulio).
Foi parceiro musical de compositores como Adoniran Barbosa, Carlos Lyra, Edu Lobo, Toquinho e Sérgio Ricardo.
A partir do final dos anos 50, passou a conciliar sua bem-sucedida atividade no Teatro com uma presença cada vez maior na televisão e no cinema. Virou, assim, um dos nossos melhores e mais populares atores. Em TV, atuou em novelas como A Muralha (1.968) e Mulheres de Areia (1.973-74), ambas de Ivani Ribeiro, Éramos Seis (1.977), Jogo da Vida (1.981-82),
Cambalacho (1.986), Rainha da Sucata (1.990) e A Próxima Vítima (telenovela) (1.995), todas de Sílvio de Abreu, Sol de Verão (1.982-83), de Manoel Carlos, Vereda Tropical (1.984-85), de Carlos Lombardi, Mandala (1.987-88), de Dias Gomes e Que Rei Sou Eu? (1.989), de Cassiano Gabus Mendes, além de minisséries como Anos Rebeldes (1.992), de Gilberto Braga e Incidente em Antares (1.994), de Nelson Nadotti e Charles Peixoto, baseada no livro homônimo de Érico Veríssimo.
O público mais jovem provavelmente o reconhece pelo papel do carinhoso e divertido avô Orlando Silva da série juvenil Mundo da Lua (1.991-92), escrita por Flávio de Souza.
Foi Secretário da Cultura da cidade de São Paulo entre 1.984 e 1.986, durante o governo de Mário Covas. Nessa oportunidade procurou valorizar as ações comunitárias.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Gianfrancesco_
Guarnieri.
Irma Vap - O Retorno é um filme brasileiro de 2.006 baseado na peça O Mistério de Irma Vap, de Charles Ludlam, maior sucesso de público da história do teatro brasileiro. A peça ficou em cartaz por 11 anos e teve um público estimado de 3 milhões de espectadores. É o último filme no qual atuou o ator Francisco Milani.
http://pt.wikipedia.org/wiki/O_Mist%C3%A9rio_de_Irma_Vap
De família modesta, Plínio Marcos não gostava de estudar e terminou apenas o curso primário. Foi funileiro, quis ser jogador de futebol, serviu na Aeronáutica e chegou a jogar na Portuguesa Santista, mas foram as incursões ao mundo do circo, desde os 16 anos, que definiram seus caminhos. Atuou em rádio e também na televisão, em Santos.
Em 1.958, por influência da escritora e jornalista Pagu, começou a se envolver com teatro amador em Santos.
Nesse mesmo ano, impressionado pelo caso verídico de um jovem currado na cadeia, escreveu sua primeira peça teatral, Barrela. Por sua linguagem crua, ela permaneceria proibida durante 21 anos após a primeira apresentação.
Em 1.960, com 25 anos, foi para São Paulo, onde inicialmente trabalhou como camelô. Depois, trabalhou em teatro, como ator (apareceu no seriado Falcão Negro da TV Tupi de São Paulo), administrador e faz-tudo, em grupos como o Arena, a companhia de Cacilda Becker e o teatro de Nydia Lícia.
A partir de 1.963, produziu textos para a TV de Vanguarda, programa da TV Tupi, onde também atuou como técnico. No ano do golpe militar, fez o roteiro do espetáculo Nossa gente, nossa música. Em 1.965, conseguiu encenar Reportagem de um tempo mau, colagem de textos de vários autores, e que ficou apenas um dia em cartaz.
Em 1.968, participou como ator da telenovela Beto Rockfeller, vivendo o cômico motorista Vitório.
O personagem seria repetido no cinema e também na telenovela de 1.973, A volta de Beto Rockfeller, com menor sucesso. Ainda nos anos 1.970, Plínio Marcos voltaria a investir no teatro, chegado ele mesmo a vender os ingressos na entrada das casas de espetáculo. Ao fim da peça, como a de Jesus-Homem, ele subia ao palco e conversava pessoalmente com a plateia.
Na década de 1.980, apesar da censura do governo, que visava principalmente aos artistas, Plínio Marcos viveu sem fazer concessões, sendo intensamente produtivo e sempre norteado pela cultura popular. Escreveu nos jornais Última Hora, Diário da Noite, Guaru News, Folha de S. Paulo, Folha da Tarde, Diário do Povo (Campinas), e também na revista Veja, além de colaborar com diversas publicações, como Opinião, O Pasquim, Versus, Placar e outras.
Depois do fim da censura, Plínio continuou a escrever romances e peças de teatro, tanto adulto como infantil. Tornou-se palestrante, chegando a fazer 150 palestras-shows por ano, vestido de preto, portando um bastão encimado por uma cruz e com aura mística de leitor de tarô.
Plínio Marcos foi traduzido, publicado e encenado em francês, espanhol, inglês e alemão; estudado em teses de sociolinguística, semiologia, psicologia da religião, dramaturgia e filosofia, em universidades do Brasil e do exterior.
Recebeu os principais prêmios nacionais em todas as atividades que abraçou em teatro, cinema, televisão e literatura, como ator, diretor, escritor e dramaturgo.
Morreu aos 64 anos, na cidade de São Paulo, por falência múltipla dos órgãos em decorrência de um derrame cerebral.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Pl%C3%ADnio_Marcos
O texto é inspirado no conto O terror de Roma do escritor italiano Alberto Moravia. Dois personagens —- Paco e Tonho —- dividem um quarto numa hospedaria barata e durante o dia trabalham de carregadores no mercado. Todas as cenas se passam no quarto durante as noites.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Dois_Perdidos_numa_Noite_Suja
Levada aos palcos pela primeira vez em São Paulo, em 1.967, com Walmor Chagas e Cacilda Becker, ganharia mais repercussão a partir da montagem carioca, dirigida no mesmo ano por Fauzi Arap e com Tônia Carrero no elenco.
Logo o texto foi censurado pela ditadura militar, e só pôde ser encenado 13 anos depois.
É a história de três personagens num quarto de bordel: a prostituta Neusa Sueli, o gigolô Vado e o homossexual Veludo falam de suas vidas e expõem sua marginalidade.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Navalha_na_Carne
Fundada em 1680 e com cerca de 3.000 espetáculos no repertório, a companhia Comédie-Française, de Paris, escolheu a comédia "O Jogo do Amor e do Acaso" para apresentar no Sesc Pinheiros (zona oeste de São Paulo).
Na história, Silvia está prometida em casamento a Dorante. No dia marcado para conhecê-lo, decide se fingir de camareira. Mas seu pretendente tem a mesma ideia e se disfarça vestindo trajes de criado.
Com a confusão armada, eles levam a brincadeira às últimas consequências.
http://guia.folha.uol.com.br/teatro/2013/10/1354755-grupo-de-teatro-mais-antigo-do-mundo-interpreta-classico-em-sp.shtml
Tudo resulta numa grande confusão, que envolve desde os vizinhos aos chefes de Estado do mundo inteiro, em prol da paz mundial. O espetáculo estreou na década de 70 no Rio fez um grande sucesso. “O Dia em que Raptaram o Papa” tem sido extraordinariamente bem sucedida no mundo todo. Quando encenada em Roma, o jornal do Vaticano, “Osservatore Romano”, dedicou uma página inteira sobre a peça e fez uma crítica extraordinária.
Sucesso já na década de 70
Na década de 70, a comédia percorreu os palcos do Brasil, fazendo um enorme sucesso. É a peça brasileira mais exibida em todo o mundo, ocupando teatros de 42 países. Sua primeira montagem fora do Brasil ocorreu em 1.974, em Zurich, onde foi apresentada mais de uma centena de vezes - superando qualquer outra peça já encenada no principal teatro da Suíça - e protagonizada pelo grande ator suíço Heiri Gretler.
Quem foi João Bethencourt
A dramaturgia de João Bethencourt explora a comédia de costumes - filão clássico do teatro brasileiro - aliada a uma visão crítica da temática abordada. A ação e diálogos que desenvolve em seus textos são de grande comunicabilidade e aceitação popular. Autor profícuo do teatro brasileiro, tem mais de 30 peças escritas e encenadas.
Formou-se na Universidade de Yale nos Estados Unidos, onde recebeu o diploma de Mestre em Artes (Master of Fine Arts, MFA). Em Yale, Bethencourt foi colega de Paul Newman, Frank Gilroy; Klaus von Wahl, entre outros.
Participou de mais de 50 peças, entre elas a primeira montagem de A Gaiola das Loucas, nos anos 70, a qual traduziu. Escreveu peças como O Dia em Que Raptaram o Papa, que é o texto brasileiro mais encenado no exterior, recebendo, inclusive, uma crítica elogiosa no Osservatore Romano, órgão oficial do Vaticano.
Escreveu várias peças para Dercy Gonçalves, como Coco, My Darling e La Mamma, ambas adaptadas por João para a Rede Globo, em 1988 e 1990, respectivamente.
Foi autor do diálogo do filme Um ramo para Luiza, de 1.965, e dos roteiros de Enfim sós... com o outro, de 1.968; Missão: matar, de 1.972; e A viúva virgem, de 1.974.
Em 1.968 realizou o documentário Fragmentos de Dois Escritores.
Morreu aos 82 anos, de infecção generalizada decorrente de problemas intestinais.
http://www.contracenarte.com/2013/08/sucesso-o-dia-em-que-raptaram-o-papa.html
http://pt.wikipedia.org/wiki/Jo%C3%A3o_Bethencourt
Essa lista não estaria completa sem pelo menos uma peça de Shakespeare. Claro, Hamlet é mais profundo, ao passo que Macbeth é intenso. No entanto, entre os especialistas a respectiva peça está considerada com alta importância. Alguém pode pensar que as palavras de Shakespeare são desafiadoras para recém-chegado teatral. No entanto, este jogo de fantasia com temas de fadas e amantes transmite enredo divertido e fácil de entender. Os cenários e figurinos tendem a ser imaginativos nas produções do bardo.
“The Miracle Worker” – William Gibson
Outros dramaturgos podem ter criado material com maior estímulo intelectual do que o jogo biográfico William Gibson. No entanto, poucas peças contêm tal intensidade, crua e sincera, transferida em âmbito popular.
Com o elenco certo, os dois papéis principais geram desempenhos inspiradores, como quando a menina luta para permanecer na escuridão silenciosa e um professor amoroso mostra a ela o significado da linguagem e do amor. Como um testamento ao poder verdadeiro da peça, The Miracle Worker é realizada em todos os verões em Ivy Green, o local de nascimento de Hellen Keller.
“Morte de um Caixeiro Viajante” – Arthur Miller
Para alguns, este jogo é um pouco exagerado e desajeitado. Alguns críticos apontam que as mensagens entregues no ato final da peça foram óbvias demais. Ainda assim, a peça de Arthur Miller representa complemento vital para o teatro americano, digno de ver apenas o desempenho gratificante do ator na história do palco: Willy Loman.
Como protagonista condenado à peça, Loman é patético, mas cativante. Como audiência não se pode olhar para longe a alma, lutando de forma desesperada. E não podemos deixar de imaginar como ele é semelhante a nós mesmos.
“A Importância de Ser Earnest” – Oscar Wilde
Um contraste com o peso do drama moderno, este jogo genial de Oscar Wilde vem encantando o público há séculos. Dramaturgos como George Bernard Shaw sentiram que o trabalho de Wilde exibiu gênio literário, mas não tinha valor social. No entanto, levando em conta a sátira valores, “A Importância de Ser Earnest” consiste na farsa deliciosa que ridiculariza a sociedade vitoriana da Inglaterra e toda a classe alta.
”Antígona” – Sófocles
Sim, quem aprecia a arte do teatro deve assistir pelo menos uma tragédia grega antes de morrer. Antígona, por outro lado, tem relação com as próprias escolhas e consequências e não tanto sobre a ira de poderes mitológicos. Além disso, ao contrário de muitas peças gregas, a figura central é uma mulher poderosa e desafiadora.
Cronologicamente representa a terceira dos três jogos de Tebas, mas foi escrito em primeiro lugar. Creonte, o novo governante da região depois da guerra civil, decidiu que Etéocles seria honrado e Polinices encaminhado para vergonha pública. O corpo do irmão rebelde não será santificado por ritos sagrados e jaz em insepultos no campo de batalha presa para o consumo de animais de carniça com vermes e abutres, a dura punição na época.
Na abertura da peça, a Antígona traz a irmã Ismênia para fora dos portões do palácio, tarde da noite, para uma reunião secreta. Ele quer enterrar o corpo de Polinices, desafiando o decreto de Creonte.
Waiting for Godot: Samuel Beckett
Elogiada por críticos e estudiosos, a tragicomédia pode deixar plateia coçando a cabeça em confusão. Mas isso é exatamente o ponto! Algumas peças são destinadas em serem desconcertantes. Este conto sem sentido é algo que cada frequentador de teatro deve experimentar pelo menos uma vez.
Não há praticamente nenhuma trama (com a exceção de dois homens esperando por uma pessoa que nunca chega). O diálogo é vago. Os personagens são pouco desenvolvidos. No entanto, um diretor talentoso pode levar este show escasso e encher o palco com bobagens ou simbolismo de caos. A emoção representa principal matéria prima da obra.
Artigo Escrito por Renato Duarte Plantier
http://cultura.culturamix.com/curiosidades/as-pecas-de-teatro-mais-famosas-do-mundo-intelectual
Le Fantôme de l'Opéra (O fantasma da ópera em português) é um romance francês escrito por Gaston Leroux, inspirada no livro Trilby de George du Maurier. Publicada pela primeira vez em 1.910, foi desde então adaptada inúmeras vezes para o cinema e atuações de teatro, atingindo o seu auge ao ser adaptada para a Broadway, por Andrew Lloyd Webber, Charles Hart e Richard Stilgoe. O espectáculo bateu o recorde de permanência na Broadway (superando Cats), e continua em palco até hoje desde a estreia em 1.986.
É o musical mais visto de sempre, visto por mais 100 milhões de pessoas, e também a produção de entretenimento com mais sucesso que alguma vez existiu, rendendo 5 bilhões de dólares.
Le Fantôme de l'Opéra foi inúmeras vezes traduzido para o português do Brasil, sendo que as versões mais difundidas são das editoras Ediouro e Ática. A preferência por essas versões devem-se à maior fidelidade à história originalmente criada por Gaston Leroux. Em Portugal, "O Fantasma da Ópera" foi traduzido e publicado pela editora Bico de Pena.
Resumindo, a história se baseia entre a música e o amor. Formando um triângulo amoroso assustador e envolvente, onde se encontra um terrivel medo e um inigualavel amor entre uma cantora lírica, um nobre apaixonado e um "fantasma" obcecado.
O fantasma da ópera é considerada por muitos uma obra gótica, por combinar romance, horror, ficção, mistério e tragédia.
Na obra original de Leroux, a ação desenvolve-se no século XIX, na Ópera de Paris, um monumental e luxuoso edifício, construído entre 1.857 e 1.874, sobre um enorme lençol de água subterrâneo.
Os empregados afirmam que a ópera se encontra assombrada por um misterioso fantasma, que causa uma variedade de acidentes. O fantasma chantageia os dois administradores da Ópera, exigindo que continuem lhe pagando um salário de 20 mil francos mensais e que lhe reservem o camarote número cinco em todas as atuações.
Entretanto, a jovem inexperiente bailarina (e mais tarde cantora) Christine Daaé, acreditando ser guiada por um "Anjo da Música", supostamente enviado pelo seu pai após a sua morte, consegue subitamente alguma proeminência nos palcos da ópera quando é confrontada a substituir Carlotta, a arrogante Diva do espectáculo. Christine conquista os corações da audiência na sua primeira atuação, incluindo o do seu amor de infância e patrocinador do teatro, Visconde Raoul de Chagny.
Erik, o Fantasma, vive no "mundo" subterrâneo que Christine considera um lugar frio e sombrio, onde ela percebe que o seu "Anjo da Música" é na verdade o Fantasma que aterroriza a ópera. Christine descobre também que o Fantasma é fisicamente deformado na face, razão pela qual usa uma máscara para esconder a sua deformidade.
Vendo a verdadeira imagem de Erik, ela entra em choque, e Erik decide prendê-la no seu mundo, dizendo que somente a deixará partir se ela prometer não amar ninguém além dele e voltar por vontade própria.
Christine enfrenta uma luta interna entre o seu amor por Raoul e a sua fascinação pelo gênio da personagem do Fantasma, e decide se casar com Raoul em segredo e fugir de Paris e do alcance do Fantasma.
No entanto, o seu plano é descoberto e, durante uma atuação da Ópera Fausto de Charles Gounod, Christine é raptada do palco e levada para os labirintos embaixo da Ópera.
Nos aposentos de Erik ocorre o confronto final entre ele, Christine e o Visconde Raoul de Chagny, que é levado até lá pelo Persa, através dos subterrâneos da Ópera, passando pela câmara dos suplícios, onde ambos quase acabam por enlouquecer e enforcar-se com o "Laço de Punjab" (espécie de cordão feito de tripas de gato que Erik usava para matar), e Christine é forçada a escolher entre Erik e Raoul. Christine escolhe Erik, com o intuito de salvar a vida das pessoas da Ópera (já que ele ameaça destruir a Ópera de Paris, colocando muitas vidas em risco, caso Christine escolha ficar com Raoul).
Christine diz ainda que concordará em ser a esposa de Erik se ele libertar o Persa e Raoul, ainda presos na câmara dos suplícios. Erik leva o Persa de volta para sua casa, mas mantém Raoul como refém e o encarcera no local mais longínquo dos subterrâneos da Ópera.
Quando Erik retorna para Christine, ela o está esperando como uma verdadeira noiva; ele então se atreve a dar-lhe um beijo na testa, o qual ela aceita sem rejeitá-lo ou demonstrar horror. Esse ato simples trouxe uma alegria imensa a Erik, que pela primeira vez na vida foi tratado como uma pessoa comum.
Os dois começam a chorar e Erik diz a Christine que ela pode ir embora e se casar com Raoul, o homem que ela ama, e que ele, Erik, não passava de um cachorro aos seus pés, pronto para morrer por ela. A única coisa que ele pede é que, quando morrer, ela o enterre junto com o anel que lhe havia dado. Christine e Raoul vão embora e nunca mais são vistos. Erik morre três semanas depois. O anúncio de sua morte foi feito pelo Persa em um jornal. Anos mais tarde, um esqueleto é encontrado nos subterrâneos da ópera e, junto ao esqueleto, havia um anel de ouro, o mesmo que Erik havia dado a Christine, indicando que ela cumpriu sua promessa.
http://pt.wikipedia.org/wiki/O_Fantasma_da_%C3%93pera
O Teatro Colón foi visitado pelos maiores cantores e companhias de ópera do mundo.
O teatro está limitado entre a Avenida 9 de Julho, Rua Liberdade, Rua Arturo Toscanini e Rua Tucumán. É o coração da cidade, onde também está a estação Parque Plaza.
O auditório é em forma de ferradura, com 2.487 lugares (mais que o Royal Opera House no Covent Garden, em Londres), mil lugares em pé e um palco com 20 metros de largura, 15 metros de altura e 20 metros de profundidade. A acústica do Colón é considerada uma das cinco melhores entre todos os teatros mundiais. Luciano Pavarotti tinha a mesma opinião.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Teatro_Col%C3%B3n
Um dos maiores teatros da América Latina e um dos únicos teatros do mundo a receber todas as modalidades artísticas: dança, música, teatro, ópera, musicais. Também foi considerado um projeto audacioso para a época de sua construção. Mantém um corpo de baile, um coral, uma orquestra sinfônica e uma escola de dança. Possui também espaço para exposições de artes visuais.
O Centro Cultural Teatro Guaíra é uma instituição cultural com auditórios para teatro, dança e espetáculos musicais, com sede na cidade de Curitiba, capital do estado brasileiro do Paraná. É mantido pelo governo do estado. A Orquestra Sinfônica do Paraná, a companhia de dança Balé Teatro Guaíra e o Teatro de Comédia do Paraná (TCP) são algumas das instituições mantidas pelo Centro Cultural Teatro Guaíra. O complexo arquitetônico localizado na Praça Santos Andrade garante ao Teatro Guaíra a sua classificação como um dos maiores da América Latina.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Centro_Cultural_Teatro_Gua%C3%ADra
O Teatro Coliseu Santista situa-se em Santos.
Após anos em desuso, o teatro foi restaurado conforme o Programa de Revitalização do Centro Histórico, desenvolvido pela Prefeitura Municipal, e reinaugurado em 2.006.
Sob o ponto de vista arquitetônico, a hierarquia de volumes compõe-se de três blocos. Com parte da platibanda coberta, o primeiro tem esquina em ângulo chanfrado, formando um recuo na fachada principal.
O terraço do primeiro pavimento é sustentado por colunas toscanas, criando no térreo um abrigo para embarque e desembarque de passageiros de automóveis, em especial nos dias de chuva. Essa marquise foi uma das modificações que o projeto, importado da Europa, sofreu para se adaptar ao clima tropical.
Ele também exigiu grande número de portas e janelas. Essas aberturas multiplicam-se pelos quatro pavimentos do segundo e terceiro blocos concorrendo para o arejamento do edifício, auxiliadas por aparelhos de renovação do ar. Internamente, métodos e materiais refletiam as influências da mão-de-obra empregada, como o revestimento em escaiola, técnica espanhola que mistura gesso e cola para imitar o mármore.
Na decoração, destaca-se a arte do italiano Adolfo Fonzari, iluminada por 39 lustres do salão nobre, distribuídos entre 13 colunas dóricas caracterizadas pela simplicidade.
Em forma de ferradura, a plateia permitia a observação de todos os detalhes das cenas.
O vão da orquestra tinha estilo wagneriano, comportando 100 professores. Em números atuais,o teatro possui: platéia com 347 poltronas; 27 frisas; 25 camarotes de primeira (camarotes do foyer); 23 de segunda(camarotes do balcão); 80 poltronas do balcão; 101 galerias numeradas do foyer; 92 galerias do balcão e anfiteatro com capacidade para 110 lugares.O teatro acomoda 1.000 espectadores. Oriunda de uma praça de esportes com pista para bicicletas (velódromo) e cancha para jogo de bola, a Cia. Coliseu Santista foi adquirida pela empresa Serrador para a construção de um teatro, inaugurado em 1.909.
Nesse período o edifício foi muito usado para atividades políticas, inclusive uma conferência de Ruy Barbosa sobre os monumentos históricos da cidade. Foi sob o comando de Manuel Freixo que o teatro recebeu a configuração definitiva, sendo reinaugurado em 1.924.
Desativado na década de 1.980, foi tombado em 1.989.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Teatro_Coliseu_Santista
O Teatro João Caetano é um tradicional teatro brasileiro, e o mais antigo da cidade do Rio de Janeiro. Está localizado na Praça Tiradentes, sem número, e comporta 1.222 pessoas, sendo 651 lugares na plateia, 123 no balcão nobre e 448 no balcão simples.
A fachada é toda revestida de mármore branco e vidro blindex fumê, o telhado apresenta telhas francesas e, as velhas portas de correr foram substituídas por portas imensas de vidro blindex fumé, que dão acesso ao hall com piso de granito.
As bilheterias, uma de cada lado, têm dois guichês cada uma, sendo um voltado para fora do teatro, e o outro, para o interior do hall.
Além das duas portas de saída laterais, foram criadas duas outras portas nos dois ângulos do hall principal para permitir a entrada e a saída do público, simultaneamente.
Foi no teatro, ainda, que D. Pedro I assistiu a uma peça depois de assinar a Constituição do Império do Brasil, em 25 de março de 1.824.
O monarca escapou por pouco das chamas que lamberam o prédio minutos após sua saída. Quando reabriu, em 1.826, o espaço ganhou o nome de Imperial Teatro de São Pedro de Alcântara. Os três incêndios foram rapidamente atribuídos pela população a um castigo divino, como conta o cenógrafo e pesquisador José Dias no livro “Teatros do Rio — do século XVIII ao século XX” (Funarte), já que os blocos de pedra utilizados em sua fundação, vindos de uma fortaleza inacabada, eram destinados, originariamente, a erguer a Sé, obra iniciada em 1.749 e nunca concluída.
Pelo palco do Teatro João Caetano têm sido encenados os mais variados gêneros de espetáculos, desde dramas, recitais, balés, óperas, tragédias, vaudevilles, farsas, sátiras, operetas, concertos, comédias até revistas musicadas, shows etc. Em 25 de junho de 1.885 e em 6 de janeiro de 1.886 atuaram no João Caetano, respectivamente, as duas maiores atrizes do século XIX: Eleonora Duse e Sarah Bernhard. Foi no João Caetano também que aconteceram grandes montagens de musicais, como My Fair Lady, em 1.962, com Bibi Ferreira e Paulo Autran, e Hello Dolly, com a mesma dupla, em 1.965.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Teatro_Jo%C3%A3o_Caetano
O teatro da Broadway é a mais prestigiada forma de teatro profissional nos Estados Unidos, além de ser a mais conhecida do público e a mais lucrativa para os atores, técnicos e outros envolvidos nos espetáculos.
Considera-se que o teatro da Broadway, juntamente com o teatro do West End, de Londres, representa o mais elevado nível de teatro comercial no mundo de língua inglesa.
A expressão "teatro da Broadway" ou "espetáculo da Broadway", ou simplesmente "na Broadway", costuma referir-se a uma peça ou musical apresentado em um dos 39 grandes teatros profissionais (500 assentos ou mais) localizados no Theater District da ilha de Manhattan, em Nova York.
O Ambassador Theatre é um dos teatros presentes na Broadway, em Nova York, Estados Unidos.
Chicago é um musical composto por John Kander, com letras de Fred Ebb e libretto de Ebb e Bob Fosse. A história é uma sátira à corrupção na administração da justiça criminal e ao conceito de "celebridade criminal." O musical é baseado em uma peça teatral de mesmo nome, escrita pela repórter Maurine Dallas Watkins sobre criminosas reais e crimes que ela noticiou. A produção original da Broadway estreou e 3 de Junho de 1.975, no 46th Street Theatre e teve um total de 936 performances. Bob Fosse coreografou a produção original, e seu estilo é fortemente identificado com o show. O revival de Chicago, da Broadway, em 1.996, bateu o recorde de mais longo revival de musical em cartaz na Broadway e é o sétimo show da Broadway há mais tempo em cartaz na história. Desde 15 de Novembro de 2.008, foi exibido em mais de 5.000 performances. Uma adaptação cinematográfica da peça foi lançada em 2.002.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Ambassador_Theatre_(New_York)
Brooks Atkinson Theatre é um dos diversos teatros da Broadway, na cidade de Nova York, nos Estados
A estréia de Death and the Maiden abriu no Brooks Atkinson Theatre em 17 de março de 1.992, produzido por Roger Berlind, Gladys Nederlander e Frederick Zollo, em parceria com Thom Mount e Bonnie Timmermann.
Paulina - Glenn Close
Gerardo - Richard Dreyfuss
Roberto - Gene Hackman
Dirigido por Mike Nichols
http://pt.wikipedia.org/wiki/Brooks_Atkinson_Theatre
The Color Purple é um musical da Broadway baseado no romance The Color Purple da escritora africana Alice Walker.
O musical teve início na Broadway em 1° de Dezembro de 2.005.
The Color Purple é dirigido por Gary Griffin, produzido por Scott Sanders, Quincy Jones e Oprah Winfrey, com coreografia de Donald Byrd. Ele apresenta música e letra escrita por Brenda Russell, Allee Willis e Stephen Bray, com um livro de Marsha Normanda. A produção da Broadway teve 11 nomeações ao Tony Award 2.006, porém só venceu uma.
http://pt.wikipedia.org/wiki/The_Color_Purple_(musical)
Minskoff Theatre é um dos múltiplos teatros da Broadway,em Nova Iorque.
The Lion King é um musical em exibição na Broadway de Nova Iorque desde julho de 1.997 e baseado no filme de animação da Disney. Além do elenco de Nova Iorque, há também duas outras companhias que excursionam pelos Estados Unidos. Em junho de 2.012, foi confirmada a estreia, para 28 março de 2.013, de uma produção em São Paulo, com a atriz sul-africana (e ex-atriz da tournê nacional) Phindile Mkhize no papel da babuína Rafiki e com as traduções sendo feitas por Gilberto Gil.
http://pt.wikipedia.org/wiki/The_Lion_King_(Musical)
O Teatro alla Scala (ou La Scala), em Milão, Itália, é uma das mais famosas casas de ópera do mundo.
O Teatro alla Scala foi construído por determinação da imperatriz Maria Teresa da Áustria, para substituir o Teatro Regio Ducale, destruído por um incêndio em 1.776, devendo seu nome à igreja de Santa Maria alla Scala que antes se erguia no local.
Obra do arquiteto neoclássico Giuseppe Piermarini, foi inaugurado em 3 de Agosto de 1.778 com a opera de Antonio Salieri, L'Europa riconosciuta, com libreto de Mattia Verazi.
Inicialmente se apresentaram uma série de óperas cômicas napolitanas cujos principais compositores foram Giovanni Paisiello e Domenico Cimarosa. Entre as numerosas óperas cita-se La Frascatana (1.780), Il barbiere di Siviglia (1.786), Nina, ossia pazza per amore (1.804) de Paisiello, L'italiana in Londra (1.780) e Il matrimonio segreto (1.793) de Cimarosa.
Com o advento de Rossini em 1.812 (La pietra del paragone), o Scala tornou-se o centro do melodrama italiano. O repertório rossiniano até 1.825 compreende: Il turco in Italia, La Cenerentola, Il barbiere di Siviglia, La donna del lago, Otello, Tancredi, Semiramide, Mosé.
Uma nova estação do melodrama ocorre entre 1.822 e 1.825 com Chiara e Serafina de Gaetano Donizetti e Il pirata de Vincenzo Bellini.
Em 1.839 a ópera Oberto, conte di San Bonifacio inaugura o ciclo de óperas de Giuseppe Verdi. Depois do fracasso de Un giorno di regno, em 1.842 foi apresentado Nabucco, seu primeiro triunfo, seguido de I Lombardi alla prima crociata e Giovanna d'Arco, quando o compositor rompe com o teatro, só retornando em 1.869, com La Forza del destino.
Em 1.872 Verdi estreia Aida, em 1.874 «rege o seu Requiem, em 1.881 compõe Simon Boccanegra. Em 1.887 e 1.893, o Scala apresenta Otello e Falstaff, as duas últimas obras primas do maestro com libreto de Arrigo Boito.
Toscanini assumiu a direção da regência, introduzindo as operas de Richard Wagner e concertos de música sinfônica.
Giacomo Puccini surge em 1.885 com Le Villi e depois, Manon Lescaut, Madama Butterfly, La fanciulla del West.
Em 1.926, sob Toscanini, Turandot, a ópera definitiva do compositor. Cavalleria rusticana, em 1.891, introduz Pietro Mascagni, seguidas de várias outras (Iris, Parisina, Le maschere).
Em 1.943 o Scala sofre grandes danos em virtude de um bombardeio. Reaberto em 11 de Maio de 1.946 sob a regência de Toscanini, o teatro retoma a sua glória.
Entre os regentes mais famosos destacam-se Wilhelm Furtwängler, Herbert von Karajan, Dimitri Mitropoulos, Bruno Walter. Os interpretes são Maria Callas, Renata Tebaldi, Giuseppe di Stefano, Mario Del Monaco, Tito Gobbi, Fiorenza Cossotto, Franco Corelli, Birgit Nilsson, Margot Fonteyn, Serge Lifar, Maja Plissetskaja, Rudolf Nureyev.
Agora os compositores são Sergei Prokofiev, Benjamin Britten, Alban Berg
(Wozzeck, 1.952), George Gershwin, Francis Poulenc (Dialoghi delle Carmelitane, 1.957), Ferruccio Busoni, Arnold Schönberg (Mosè e Aronne, 1.961), Dmitri Shostakovich (Katerina Ismailova, 1.964), Luigi Dallapiccola (Volo di notte, 1.963), Kurt Weill (Ascesa e caduta della città di Mahagonny, 1..964), Paul Hindemith (Cardillac, 1964). Os maestros mais importantes, a partir de 1.965, são Giacomo Manzoni, Claudio Abbado e Riccardo Muti.
O Teatro alla Scala foi construído por determinação da imperatriz Maria Teresa da Áustria, para substituir o Teatro Regio Ducale, destruído por um incêndio em 1.776, devendo seu nome à igreja de Santa Maria alla Scala que antes se erguia no local.
Obra do arquiteto neoclássico Giuseppe Piermarini, foi inaugurado em 3 de Agosto de 1.778 com a opera de Antonio Salieri, L'Europa riconosciuta, com libreto de Mattia Verazi.
Com o advento de Rossini em 1.812 (La pietra del paragone), o Scala tornou-se o centro do melodrama italiano. O repertório rossiniano até 1.825 compreende: Il turco in Italia, La Cenerentola, Il barbiere di Siviglia, La donna del lago, Otello, Tancredi, Semiramide, Mosé.
Uma nova estação do melodrama ocorre entre 1.822 e 1.825 com Chiara e Serafina de Gaetano Donizetti e Il pirata de Vincenzo Bellini.
Toscanini assumiu a direção da regência, introduzindo as operas de Richard Wagner e concertos de música sinfônica.
Giacomo Puccini surge em 1.885 com Le Villi e depois, Manon Lescaut, Madama Butterfly, La fanciulla del West.
Em 1.943 o Scala sofre grandes danos em virtude de um bombardeio. Reaberto em 11 de Maio de 1.946 sob a regência de Toscanini, o teatro retoma a sua glória.
Agora os compositores são Sergei Prokofiev, Benjamin Britten, Alban Berg
http://pt.wikipedia.org/wiki/Teatro_alla_Scala
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